THE NEGATIVLAND STORY : Since 1980, the 4 or 5 or 6 Floptops known as Negativland, a performance and recording group based in the San Francisco Bay Area, have been creating records, CDs, video, fine art, books, radio and live performance using appropriated sounds, images, objects, and text. Mixing original materials and original music with things taken from corporately owned mass culture and the world around them, Negativland rearranges these found bits and pieces to make them say and suggest things that they never intended to.
In doing this kind of cultural archaeology and “culture jamming” (a term they coined way back in 1984), Negativland have been sued twice for copyright infringement.

Over the years Negativland’s “illegal” collage and appropriation-based audio and visual works have touched on many things - pranks, media hoaxes, advertising, media literacy, religion, the evolving art of collage, the bizarre banality of suburban existence, creative anti-corporate activism in a media-saturated and multinational world, file sharing, intellectual property issues, wacky surrealism, evolving notions of art and ownership and law in a digital age, and artistic and humorous observations of mass media and mass culture.

While it is true that, after being sued, Negativland became more publicly involved in advocating significant reforms of our nation's copyright laws (more recently finding themselves being brought to Washington DC and Capitol Hill as citizen lobbyists for
copyright and art issues), Negativland are artists first and activists second. All of their art and media interventions have intended to pose both serious and silly questions about the nature of sound, media, control, ownership, propaganda and perception in the United States of America. Their work is now referenced and taught in many college courses in the US, has been written about and mentioned in over 150 books (including “No Logo” by Naomi Klein, “Media Virus” by Douglas Rushkoff, and various biographies of the band U2), cited in legal journals, and they often lecture about their work here and in Europe.

Since 1981, Negativland and an evolving cast of characters have operated “Over The Edge,” a weekly radio show on KPFA-FM in Berkeley, California. “Over The Edge” continues to broadcast three hours of live, found-sound mixing every Thursday at midnight, West Coast time, also streamed online. In 1995 they released a 270-page book with 72-minute CD entitled “Fair Use: The Story of the Letter U and the Numeral 2,” documenting their infamous four-year long legal battle over their 1991 release of an audio piece entitled “U2”. They were the subjects of Craig Baldwin’s 1995 feature documentary “Sonic Outlaws” and created the soundtrack and sound design for Harold Boihem’s 1997 documentary film “The Ad And The Ego,” an excellent in-depth look into the hidden agendas of the corporate ad world and the ways that we are affected by advertising. In 2004 Negativland worked with Creative Commons to write the “Creative Commons Sampling License,” an alternative to existing copyrights that is now widely used by many artists, writers, musicians, film makers, and websites.

In 2005, they released the elaborately packaged “No Business” (with CD, 15,000-word essay, and custom-made whoopie cushion), and debuted “Negativlandland” - a large visual art show of over 80 pieces of their “fine art” works, videos, home-made electronic devices, and a life-sized animatronic Abe Lincoln robot, at New York City’s Gigantic Art Space. That art exhibit continues to change and evolve and has traveled around the country, showing in Los Angeles, Seattle, Minneapolis, Houston, and Richmond, VA.

In 2007, Negativland released “Our Favorite Things,” a feature-length DVD collection of their many years of collaborative film work, and in 2008 they surprised themselves and everybody else by putting out a toetapping all-songs project of one member’s compositions called “Negativland Presents Thigmotactic,” and they continue to occasionally visit Washington DC as citizen lobbyists.

More recently, Negativland has been performing a show of radically new audio-visual versions of many Negativland fan-favorites that have never before been heard live. Negativland’s current performance project, entitled “Content!,” finds them teaming up with electronic musician Wobbly, and “live cinema” video artist Steev Hise, to create a visual and sonic performance that reinvents favorite past and present dialog cut-ups, while showcasing Negativland’s homemade electronic noise-making devices that they call “Boopers,” and relying heavily on group improvisation.

And in 2014, for their first new audio release in six years, “It's All In Your Head” finds the group tackling their biggest subject ever: God. This ambitious and densely-crafted double CD is packaged inside an actual King James Holy Bible which has been appropriately repurposed into a “found” art object. Negativland mixes found music, found sound, found dialogue, guest personalities and original electronic noises into a compelling and thoughtful musical essay on monotheism, Christianity, Islam, Judaism, neuroscience, suicide bombers, 9/11, colas, war, shaved chimps, and the all-important role played by the human brain in our beliefs. The audio is presented as a live radio broadcast
(modeled after the “Over The Edge” radio program).

This theater-of-the-mind project has been assembled from basic tracks recorded live in front of blindfolded studio audiences, and documents the unique style of live collage performances that Negativland has been presenting on stages, and on radio, since the formation of the group in 1980.

Negativland is interested in unusual noises and images (especially ones that are found close at hand), unusual ways to restructure such things and combine them with their own music and art, and mass media transmissions which have become sources and subjects for much of their work. Negativland covets insightful humor and wackiness from anywhere, lowtech approaches whenever possible, and vital social targets of any kind. Foregoing ideological preaching, but interested in side effects, Negativland is like a subliminal cultural sampling service concerned with making art about everything we aren't supposed to notice.

About “It's All In Your Head”: Negativland's new album,  “It's All In Your Head”, finds the group tackling their biggest subject ever: why humans believe in God.  Millennia-in-development, this ambitious and densely-crafted double CD is packaged inside an actual Holy Bible which has been appropriately repurposed into a “found” art object.

“It's All In Your Head” intends to entertain, inform, and provoke.  On the CDs, Negativland mixes found music, found sound, found dialogue, guest personalities and original electronic noises into a compelling and thoughtful musical essay that looks at monotheism, Christianity, Islam, Judaism, neuroscience, suicide bombers, 9/11, colas, war, shaved chimps, and the all-important role played by the human brain in our beliefs. Reading the attached Bible is optional.

The audio is presented as a live radio broadcast, modeled after Negativland's weekly “Over the Edge” radio program on KPFA-FM in Berkeley, CA. This theater-of-the-mind project has been carefully crafted from basic tracks recorded live in front of blindfolded studio audiences, and documents the unique style of live collage performances that Negativland has been presenting on stages, and on radio, since the formation of the group in 1980.

Since its previous album release six years ago, Negativland has kept busy with its weekly radio program, lectures, art gallery shows and live performances in the U.S. and Europe.  Currently in the works are several different studio albums, including Negativland's all-electronic “Booper Symphonies,” two brand new “Over the Edge” album releases, more art shows, and a new touring live show called “Content!” with upcoming performances at festivals such as Bumbershoot, All Tomorrow's Parties, and Moogfest.


Albums and EPs
1980 Negativland
1981 Points
1983 A Big 10-8 Place
1984 Over The Edge Vol. 1: JamCon ’84
1985 Over The Edge Vol. 1 1/2: The Starting Line with Dick Goodbody
1986 Over The Edge Vol. 2: Pastor Dick: Muriel’s Purse Fund
1987 Escape From Noise
1989 Helter Stupid
1989 Over The Edge Vol. 3: The Weatherman’s Dumb Stupid Come-out Line
1990 Over The Edge Vol. 4: Dick Vaughn’s Moribund Music of the 70’s
1991 “U2” (EP)
1992 “Guns” (EP)
1993 Over The Edge Vol. 5: Crosley Bendix: The Radio Reviews
1993 Over The Edge Vol. 6: The Willsaphone Stupid Show
1993 Free
1994 Over The Edge Vol. 7: Time Zones Exchange Project
1995 Over The Edge Vol. 8: Sex Dirt
1995 Dead Dog Records (as part of the “Fair Use” book)
1997 “Truth In Advertising” (EP)
1997 Dispepsi
1998 “Happy Heroes” (EP)
1999 “The ABCs of Anarchism” [with Chumbawamba] (EP)
2002 Deathsentences of the Polished and Structurally Weak (Book and CD)
2005 No Business (Book and CD)
2008 Negativland Presents Thigmotactic
2014 It's All In Your Head

1989 No Other Possibility (as part of A Big 10-8 Place reissue)
2007 Our Favorite Things

1995 Fair Use:The Story of the Letter U and the Numeral 2
2002 Deathsentences of the Polished and Structurally Weak
2005 No Business

Compilations and Remixes
1984 Yogi Cometbus Audiocassette Magazine - “Seventy Dreams”
1985 Local International - “One Through Twenty”
1987 Northern California Is A Noisy Place, Indeed - “Paul McCartney's Penis”
1987 Objekt 3 - “Radio Advertising”
1987 Zamizdat Trade Journal - “General Cavendish”
1987 Unsound Magazine “Play It Again”
1987 Potatoes - “Perfect Scrambled Eggs”
1987 Mashed Potatoe - “A Mashed Version Of Potatoes”
1990 Live At The Knitting Factory Volume Three - “You Must Choose”
1992 Bob’s Media Ecology² - “Tribal Mandate”
1997 Resonance Magazine - “Fast Talk”
1998 Staalplaat’s “The Sound of Music 3” CD - “The Weatherman's Big 10-8 Doof”
1999 Knitting On The Roof - “Tevye's Dream”
2000 Hate People Like Us - “What's Music?”
2001 Yo-Yo A Go-Go 1999 - “The Immortal Words Of Casey Kasem”
2002 Tracks From The Best Dance Albums Of All Time - “Christianity Is Stupid”
2003 Ikebana: A Tribute to Merzbow - “An Actual Attack”
2003 Dubtometry - “Asphalt”
2006 Musicworks - “No Business” / “Favorite Things” / “It’s All In Your Head FM” (Rehearsal)

Retrospective Art Shows
2013 “Our Favorite Things” Ghost Print Gallery, Richmond, VA
2012 “Our Favorite Things” La Luz De Jesus, Los Angeles, CA
2010 “Our Favorite Things” Nau-haus Gallery, Houston, TX
2006 “Negativlandland” Creative Electric Studios, Minneapolis, MN
2006 “Negativlandland” Consolidated Works, Seattle, WA
2005 “Negativlandland” Gigantic Art Space, New York, NY

Other Art Shows in US and Europe
2010 “Thigmotactic” Sean Pace Gallery, Asheville NC
2010 “Dead Fingers Talk: The Influence of William Burroughs” IMT Gallery, London, England
2009 “Motion Graphics Festival” Chicago IL, Boston MA, Atlanta GA, Austin TX
2007 “In Appropriations” Gulf Coast University Museum, Ft. Myers, FL
2007 “Madonna and Child” Madison County Arts Council, Marshall, NC
2007 “Homegrown” Southeastern Center of Contemporary Arts, NC
2007 “System Error” Siena, Italy
2007 Sonar, Barcelona, Spain
2006 Scope Art Basel, Miami FL
2006 “Illegal Art” Art & Culture Center of Hollywood, FL
2006 “Illegal Art” Pacific NW College of Art, Portland, OR
2005 Projections on Side of World Intellectual Property Organization Building Geneva, Switzerland
2004 “Co-lage” Matthews Gallery, Tampa FL
2004 “Illegal Art” In These Times, Chicago
2004 “Illegal Art” Resource Center for Activism and Art, Washington DC
2004 “Illegal Art” SF MOMA, San Francisco, CA
2003 “Illegal Art” CBGB Gallery, New York, NY
2002 “Version 2.0” Chicago MOMA, Chicago IL
2002 Shack Obscura Van De Griff-Marr Gallery Santa Fe, NM
2002 “Deathsentences” Cornish College, Seattle, WA
2002 “The New Gatekeepers” Columbia University School Of Journalism, New York, NY
2001 “Pixelplunder” year01.com, 2001 Toronto Canada



Biophilia Live : filme-concerto da artista islandesa gravado ao vivo em Londres em 2013, vai ser exibido na próxima quarta-feira (dia 22) em salas de cinema de Lisboa e Porto, respetivamente o UCI do El Corte Inglés e Arrábida Shopping.

Cada um dos cinemas terá direito a duas exibições do filme, gravado ao vivo em 2013 no Alexandra Palace, em Londres: uma às 19h00 e outra às 22h00.

Os bilhetes custam 8,70 euros. A sessão das 22h00 em Lisboa será apresentada pelo jornalista Nuno Galopim e o crítico de cinema João Lopes.

 O filme documenta a apresentação ao vivo em Londres do projeto multimédia que se traduziu no álbum Biophilia, o mais recente da artista islandesa. Em palco, estiveram variados instrumentos, digitais e tradicionais, e outros "completamente inclassificáveis".


Original Primus members Les Claypool, Larry Lalonde and Tim Alexander are reunited in this tribute to the 1971 film "Willy Wonka & The Chocolate Factory." The band will tour the United States this fall.

 “Primus & the Chocolate Factory with the Fungi Ensemble” será editado no próximo dia 21 de Outubro. O projecto sucessor de “Green Naugahyde” de 2011, apresenta um conjunto de 14 faixas que representam um remake do clássico “Willy Wonka e a Fábrica de Chocolate”, de 1971.

Les Claypool terá afirmado que o projecto surgiu do desagrado da banda em relação à adaptação do original por parte do realizador Tim Burton. Claypool sublinhou, em comunicado: “Acho que uma boa porção de pessoas no planeta inteiro ficaram desiludidos pelo remake do filme Willy Wonka – a versão de Tim Burton.“.

O baixista acrescentou: “Eu queria mesmo homenagear um filme que foi muito importante para mim quando era criança e que me influenciou bastante a nível musical.” Segundo Claypool, a banda tentou modificar bastante as músicas do filme, conferindo-lhes um cunho único. Para além da readaptação da musicalidade original, a banda procurou recuperar o toque sombrio dos livros de Roald Dahl. Já é possível adquirir o álbum em regime de pré-compra.


The Fresh & Onlys cancelam digressão europeia e já não tocam no festival lisboeta.
O cartaz do Vodafone Mexefest continua a ganhar forma agora com mais quatro novas confirmações para a edição deste ano.

De regresso ao nosso país estão os Palma Violets, depois da passagem o ano passado por Paredes de Coura, a banda britânica vai trazer na bagagem 180, o único álbum editado pelos londrinos e conta com o selo da Rough Trade.

A esta confirmação juntam-se os BRISTOL, do francês Marc Collin (Nouvelle Vague), os portugueses Éme e Savanna, o hip-hopper nova-iorquino Pharoahe Monch, o português Stereossauro, os também nacionais Salto e o cantor Francis Dale, alter ego do lisboeta Diogo Ribeiro, atuarão no festival que se realiza em várias salas de Lisboa, no final de novembro.

 A Pharoahe Monch, Stereossauro, Salto e Francis Dale juntam-se os já anunciados Adult Jazz, Bristol, Capicua, Cloud Nothings, Curtis Harding, Deers, Duquesa, Éme, I Break Horses, JJ, Johanna Glaza, Kindness, King Gizzard & The Lizard Wizard, Meu Kamba Soundsystem, Modernos, Palma Violets, Perfume Genius, Savanna, Sensible Soccers, Sharon Van Etten, Shura, Sinkane, St. Vincent, The Fresh & Onlys, Throes + The Shine, Tiago Iorc, Tune-Yards, Palma Violets, Bristol, Éme e Savanna.

 Os bilhetes para o festival lisboeta, que acontece a 28 e 29 de novembro, têm preço único de 40 euros mas a aplicação do evento para IOS e Android dá um desconto de 5 euros na compra dos ingressos.


Doris Lessing CH, nascida Doris May Tayler (Kermanshah, 22 de outubro de 1919 — Londres, 17 de novembro de 2013).

Autora de obra prolífica, que inclui trabalhos como as novelas The Grass is Singing e The Golden Notebook, sua obra cobre um vasto leque estilístico, indo da autobiografia à ficção científica, com claras influências do modernismo. 

Foi galardoada com o Nobel de Literatura de 2007, tendo a Academia Sueca apontado, como razão determinante, a existência na sua obra de características que fazem dela "a contadora épica da experiência feminina, que com cepticismo, ardor e uma força visionária escrutinou uma civilização dividida".

 Doris Lessing é a 11.ª mulher a ganhar este galardão nos seus 89 anos de história e a pessoa mais idosa que jamais o recebeu.

Doris Lessing foi oficialmente batizada como Doris May Tayler, em Kermanshah , no Curdistão iraniano, então parte do Reino da Pérsia, onde viveu até os seis anos de idade. 

Filha do capitão Alfred Tayler e de sua mulher Emily Maude Tayler (nascida McVeagh), ambos cidadãos britânicos nascidos na Inglaterra.

 O seu pai tinha perdido uma perna durante a sua participação na Grande Guerra, e fora durante a sua convalescença da amputação que conhecera a sua futura esposa, então enfermeira no Royal Free Hospital de Londres.

 Após a Guerra, Alfred Tayler, que antes fora bancário, mudou-se com a família para Kermanshah, na Pérsia (agora Irão), aceitando um emprego como bancário no Imperial Bank of Persia, razão pela qual Doris Lessing ali nasceu em 1919.

Em 1925, quando a comissão de serviço terminou, a família mudou-se para a colónia britânica da Rodésia do Sul (hoje o Zimbabwe), onde havia adquirido cerca de 1000 acres (cerca de 405 ha) de matagal e o pai se pretendia fixar como agricultor, cultivando ali milho e tabaco.

Apesar da rudeza do ambiente que a rodeava, a mãe de Lessing pretendia levar na nova fazenda uma vida eduardiana, o que talvez pudesse ter sido possível se a exploração prosperasse, o que não aconteceu, já que a fazenda, apesar do investimento e do esforço, não conseguiu atingir as expectativas criadas.

Doris foi educada na Escola Secundária do Convento Dominicano de Salisbúria (actual Harare), uma escola confessional só para raparigas operada pelas irmãs dominicanas. Nunca tendo gostado do ambiente criado pelas freiras que administravam a escola e em conflito permanente com a sua mãe, Doris abandonou a escola aos 13 anos, sendo autodidacta em toda a sua formação posterior.

Com o agudizar do conflito com a mãe, abandonou a casa aos 15 anos de idade, passando a trabalhar como ajudante de ama, tomando conta das crianças de uma família. Por essa altura começou a ler materiais sobre política e sociologia que lhe eram emprestados pelos patrões. Por essa época, começou a escrever.

Em 1937, Doris mudou-se para Salisbúria para trabalhar como telefonista, casando em 1939 com Frank Charles Wisdom, com quem teve dois filhos (um filho e uma filha), antes do casamento se desfazer em 1943, quando o casal se separa ficando as crianças com o pai.

Após o seu divórcio, Doris é atraída para o Left Book Club, um círculo de leitores de inspiração comunista, tendo aí encontrado o seu segundo marido, o alemão Gottfried Lessing, que viria mais tarde a ser nomeado embaixador da República Democrática Alemã no Uganda, onde foi assassinado em 1979 durante a rebelião contra Idi Amin Dada.

 Casaram em 1945 e tiveram um filho (Peter Lessing) pouco antes do casamento ter acabado em novo divórcio no ano de 1949. Doris, que optou por manter o apelido germânico do segundo marido, partiu então para Londres na companhia do filho.

Pouco depois de se fixar em Londres com o filho Peter, Doris Lessing publica o seu primeiro romance, The Grass Is Singing (A Canção da Relva), saído a público ainda em 1949. 

O seu livro mais famoso, e que representaria o seu lançamento como escritora consagrada, foi The Golden Notebook (O Carnê Dourado), publicado em 1962.

Devido às campanhas públicas contra as armas nucleares e contra o regime de apartheid na África do Sul, Doris Lessing foi banida daquele país e da Rodésia durante muitos anos.

Para demonstrar as dificuldades enfrentadas por novos autores que queiram ver os seus livros editados, em 1984, tentou publicar duas novelas sob o pseudónimo de Jane Somers. As novelas foram rejeitadas pelo seu editor britânico, mas aceitas por outro, Michael Joseph, e pela editora americana Alfred A. Knopf..


Afonso Reis Cabral/ Prémio LeYa: «Inspirei-me na minha vida» .

Afonso Reis Cabral, vencedor do Prémio LeYa de Literatura, diz que só escreve sobre o que sabe e não gosta de pensar que a genética é a responsável pela sua escrita.

 Aos 24 anos, o mais jovem vencedor do galardão, trineto de Eça de Queiroz, destacou-se ontem entre 361 concorrentes de 14 países, com o romance "O meu irmão" Uma pressão nunca vem só, mas afasta-se com a mesma facilidade com que as pernas se desentorpem no jardim, enquanto processa a notícia e responde a chamadas. "Saí par estar dar um passeio, para estar um bocadinho sozinho. Ainda não sei qual a sensação de ganhar o prémio. Soube pouco antes de ter sido divulgado. Desde essa altura que estou numa roda viva, a tentar assimilar tudo. Só daqui a uns dias vou assentar",
explica Afonso Reis Cabral, acabado de ser distinguido com o Prémio Leya, conhecido ontem, na sede do grupo editorial.

 Aos 24 anos, torna-se o mais jovem autor a receber o galardão, no valor de 100 mil euros. Há outra curiosidade a assinalar, mais para deleite dos leitores que do próprio: o seu trisavô paterno chamava-se José Maria de Eça de Queiroz. "Ainda não estou publicado em termos de romance e os meus colegas continuam a ler 'Os Maias'", ri-se Afonso, quando  lhe perguntam se em algum momento os amigos preferem a prosa do trineto aos clássicos de leitura obrigatória, nem sempre triunfantes no gosto da pós-adolescência. "É uma honra ter este antepassado, mas não quero pensar numa influência genética, nada que se pareça. Não penso muito nisso".

 A árvore genealógica talvez estenda os seus braços até "O meu irmão", a obra que valeu os louros ao escritor, nascido em Lisboa em 1990, e criado no Porto até ao ensino secundário, apesar de Afonso preferir não adiantar muito sobre o conteúdo. "É sempre muito ingrato tentar parafrasear um livro que levei praticamente três anos a escrever, ia estar a trair o livro. Aguardem um pouco, para o lerem", pede o escritor que começou a escrever muito cedo, pelo nove, dez anos. "Não me vejo como um jovem escritor. Não comecei há meia dúzia de dias, mas sim há 14 anos. Independentemente do prémio, o romance já existia".

 Estudou latim e grego - ficou em oitavo lugar numa competição europeia de tradução de grego antigo. Aos 15 anos lançou "Condensação", livro de poesia com 90 páginas. Escreveu ainda "Como Lidar com Um Livro". É licenciado em Estudos Portugueses e Lusófonos pela Universidade Nova de Lisboa, onde concluiu um mestrado em Estudos Portugueses e actualmente trabalha na editora Alethêia.



sexy bike


O físico teórico Stephen Hawking faz um alerta à humanidade: abandonem a Terra ou seremos extintos.

 Stephen Hawking participa do novo álbum dos Pink Floyd. O grupo britânico que está sem editar há 20 anos, vai lançar a 10 de novembro um novo álbum de estúdio, «The Endless River».

 A voz artificial do astrofísico britânico Stephen Hawking, considerado um dos cientistas mais famosos desde Einstein, está no caminho certo 'Talkin' Hawkins 'disco' The River Infinito ", programado para chegar às lojas em 10 de novembro.

 A nova música, bem como a anterior, tem trechos de Hawking gravou um comercial para a empresa de telecomunicações British Telecom, em 1994, de acordo com o jornal britânico The Independent. Na época, David Gilmour, vocalista e guitarrista da banda, decidiu comprar os direitos para usar a sua voz.

 Hawking foi diagnosticado aos 21 anos com esclerose lateral amiotrófica, doença degenerativa paralisa todos os movimentos do utilizador ao longo dos anos. Ainda assim, aos 72 anos, o cérebro ainda está intacto e produtivo.

Hoje, os movimentos físicos a bochecha para ativar um dispositivo sonoro tamanho que ajuda a formar palavras e frases.

 -How Hawking’s illness forced his marriage into a ‘black hole’ of despair: First wife says couple were ‘swept away by a wave of fame and fortune’

 -Renowned scientist fell desperately ill with pneumonia in 1985

-His first wife, Jane, refused to end her husband’s life and demanded doctors in Switzerland return him to Cambridge

-Hawking underwent life-saving operation that robbed him of ability to talk

-He went on to complete A Brief History of Time and sold 10 million copies -Revelations made in Hawking, a new documentary about his life


Não é de todo uma novidade o facto de a Google passear as suas câmaras Google Street View em cima de carros, barcos, até pessoas… agora surpreendeu o mundo colocando as suas câmaras em cima de camelos, começou a capturar imagens em 360 graus do deserto da Arábia.

 Para minimizar as interrupções que a Google apelida de “ambiente delicado”, a equipa de mapas decidiu aplicar a sua câmera Trekker na parte traseira de um dromedário, de nome Raffia.


Morrissey arrancou há 3 dias a sua tourné europeia em Lisboa, onde apresentará o seu último trabalho, "World Peace is none of your business", o décimo da sua carreira a solo. Após a sua atuação no Coliseu dos Recreios, uma das salas mais emblemáticas da capital lusa, o artista britânico irá atuar em Madrid, dia 9, e Barcelona, 10.

 Considerado um dos principais cantores e compositores da sua geração, Steven Patrick Morrissey (Manchester, 1959) deu-se a conhecer como vocalista da lendária banda The Smiths, onde formou, juntamente com o guitarrista Johnny Marr, um dos pares criativos mais influentes da música britânica. Nos The Smiths, Morrissey e Marr, junto com Mike Joyce na bateria e Andy Rourke no baixo, assinaram temas tão conhecidos como "This Charming Man", "How Soon is Now?", "Bigmouth Strikes Again" ou "There is a Light that Never Goes Out".

 Em 1987, as diferenças pessoais entre Morrissey e Marr puseram fim aos The Smiths, banda que teria influência em outros grupos de renome como The Stone Roses ou Oasis. Morrissey começou então a sua carreira a solo, e em 1988 lançou seu primeiro álbum "Viva Hate", que conseguiu os primeiros lugares nos tops britânicos.

 Ontem Morrissey revelou que está com cancro. O britânico de 55 anos, mas garantiu que só pretende descansar "quando morrer" .O cantor não revelou qual o tipo de câncer que tem mas declarou que passou por tratamento medico. "Os médicos já realizaram quatro raspagens para remover tecidos cancerosos. O que eu posso fazer? Se eu morrer, morri, e se não acontecer melhor, não morrerei. Neste momento me sinto bem", revelou o cantor em uma entrevista ao jornal espanhol "El Mundo", publicada na última segunda-feira (6).

 "Sei que em algumas fotos recentes não estava com ar de uma pessoa em boa forma, este é o resultado da doença. Com certeza não me preocuparei com isso, vou descansar quando morrer", afirmou Morrissey.

 Nos últimos anos o ex-vocalista do The Smiths cancelou vários shows por problemas de saúde e foi internado diversas vezes. Os médicos já pediram que ele abandone a carreira, mas ele garante que não pensa em deixar de cantar só se for para ser tornar escritor, já que em breve pretende lançar seu primeiro romance.

 Em 2013 lançou sua autobiografia. "Tenho uma idade na qual deveria deixar de fazer música, muito compositores de música clássica morreram aos 34 anos. Eu ainda estou aqui e ninguém sabe o que fazer comigo.

Com um pouco de sorte no ano que vem será lançado meu primeiro romance, assim poderei deixar de fazer música", disse ele.

 Atualmente está em turnê pela Europa para divulgar seu décimo disco solo, "World Peace Is None fo Your Business".

 Logo depois da revelação da doença a página do Facebook do músico foi lotada de mensagens de seus fãs.

 Em 2012 devido a uma lesão muscular nas costas de Soloman Walker, o concerto de Morrissey no Cascais Music Festival foi cancelado. Soloman Walker é o baixista de Morrissey e uma parte fulcral da banda, pelo que, é impossível realizar o concerto sem ele", referia o comunicado divulgado pela promotora Everything is New.

 Morrissey iria tocar no Hipódromo Manuel Possolo, em Cascais, sendo que este concerto iria assinalar o seu regresso a Portugal seis anos depois de ter passado pelo festival Paredes de Coura.



Morrissey passeou no Chiado em Lisboa, antes do concerto de hoje há noite no Coliseu dos Recreios, em Lisboa, com a sua digressão mundial de apresentação do álbum ‘World Peace is None of Your Business’.

 No sábado foi fotografado a passear na zona do Chiado. A fotografia que mostra Morrissey a atravessar a rua perto do Largo de Camões foi publicada na página de Facebook “Mozzerians of the world, unite and take over”.

Ao fundo, na imagem, um dos típicos elétricos de madeira amarelos lisboetas. ‘World Peace is None of Your Business’ foi gravado nos La Fabrique Studios, em Saint-Rémy-de-Provence, no sul França. Natural de Manchester, no Reino Unido, Morrisey, de seu nome completo Steven Patrick Morrissey, liderou os The Smiths, banda ativa entre 1982 e 1987.



The Art of Cheating Death" by Ron English


Nasceu a 11 Janeiro 1948 (Coimbra, Portugal). Morreu em 1997.
Al Berto, pseudónimo de Alberto Raposo Pidwell Tavares, foi um poeta, pintor, editor e animador cultural português.


Happy Birthday -  1963, Born on this day, Jarvis Cocker.
 Em 2012, a campanha publicitária surreal que caracterizou Jarvis Cocker, ajudou a Eurostar postar um aumento de 6% nas vendas anuais £803m, e com um número de passageiros acima de 2%, para 9,7 milhões ano a ano.

 O cantor Pulp foi destaque no surreal anúncio Trainstorming by Leg que quebrou em outubro do ano passado. Apresentava Cocker com o cineasta francês Michel Gondry e a popstar belga Arno Hintjens discutindo o que podia aparecer na abertura dos Jogos Olímpicos de 2012.


Faz hoje 44 anos, 19 Setembro, 1970.
The first UK Glastonbury Festival took place featuring Marc Bolan, Ian Anderson, Keith Christmas, Quintessence, Amazing Blondel and Sam Apple Pie.

 The first Festival was held on the day after Jimi Hendrix died, over a two day period and before long “word had got around”. It was the Blues festival at the Bath & West Showground that had inspired Michael Eavis to begin a festival of his own although on a smaller scale.

 Acts included: Marc Bolan, Keith Christmas, Stackridge, Al Stewart, Quintessence

 Attendance: 1,500.
 Price: £1 including free milk from the farm.




Robert Young, conhecido pelos amigos e fãs como “Throb”, morreu na cidade de Hove, na Inglaterra. Músico tinha 49 anos e foi encontrado morto num apartamento durante a madrugada da passada terça-feira, dia 9.

 A informação foi confirmada pela polícia e pelo ex-colega de banda, o baixista Gary “Mani” Mountfield, ao jornal “The Guardian” e à rede BBC. A sua morte não está a ser tratada como suspeita”.

 Robert ‘Throb’ Young, ex-guitarrista dos Primal Scream, fez parte da banda de Glasgow entre 1984 e 2006. Com os Primal Scream, do qual foi um dos fundadores, no início dos anos 1980, Young gravou álbuns como Screamadelica (1991), misturando rock e música eletrônica. Bobby Gillespie e Andrew Innes, membros do Primal Scream, divulgaram comunicado conjunto no qual lamentam a morte do ex-companheiro de banda.

 “Perdemos nosso camarada e irmão Robert Young. Um homem lindo e cheio de alma. Ele era um talento insubstituível, muito admirado pelos companheiros.” Os ex-colegas de banda publicaram a seguinte mensagem: “perdemos o nosso camarada e irmão Robert Young. Era um homem lindo e profundamente nobre. Era um talento insubstituível, muito admirado entre os seus pares.
Nas palavras de Johnny Marr: ‘o Throb com uma Les Paul goldtop – imbatível'”.

 Músicos como Mani, seu ex-colega nos Primal Scream e atual membro dos Stone Roses, Liam Gallagher ou Tim Burgess, dos Charlatans, e o escritor Irvine Welsh escreveram mensagens de pesar pela morte de Robert Young.

 “Robert Young, AKA The Throb, faleceu neste fim de semana em Hove. Notícia verdadeiramente devastadora”, postou Mani, em um fórum dedicado ao Primal Scream.

 O ex-Oasis Liam Gallagher também lamentou a morte do músico. “Viva para sempre”, comentou, citando a música de seu antigo grupo, “Live Forever”.



Title: Self-Portrait (1997) 
Chuck Close's work is most often associated in the popular mind with his own likeness. Although it has been chosen by the artist largely for the sake of convenience, Close's self portraits provide an interesting arena for gauging the development of his thought and work over four decades.

The insouciant stare of the young man in Big Self-Portrait makes a striking counterpart to the stolid, knowing gaze of the older Close as represented in this self-portrait of 1997. Indeed, the comparison illustrates the evolution from fledgling artist to international icon.

Compared to the earlier work, the 1990s Self-Portrait also shows how abstraction has come to play a more prominent role in Closes's portraits. Each of the individual units of the grid is a miniature abstract painting unto itself, comprising a panoply of colors and shapes that seem to have jumped directly to the canvas from the artist's palette.

 Close suffered a devastating spinal infection in 1988 that left him a quadriplegic. Since then he has developed an extraordinary technique using a complex grid-based reconstruction of the photographs that he works from - typically portraits of himself, his family and friends - to create really large-scale works. He has also been creating photographic montages on enormous sheets of Polaroid paper amongst many other techniques.

 Charles Thomas (Chuck) Close was born in Monroe, Washington in 1940. He graduated from the University of Washington in 1962 and from Yale in 1964. He was the 1997 UW Alumnus Summa Laude Dignatus - the highest university honor for one of its graduates. Close's work is included in the collections of numerous museums, including the National Gallery of Art (Washington, D.C.), the Museum of Modern Art (New York), the Guggenheim Museum (New York), and the Tate Gallery (London). The New York Museum of Modern Art held a special exhibit of Close's paintings and prints in 1998; the Metropolitan Museum of Art in New York held an exhibit on Close's prints in 2004.


Night Windows 1928 Hopper (born Nyack, New York 1882) is the best-known American realist of the inter-war period, once said: 'The man's the work. Something doesn't come out of nothing.' This offers a clue to interpreting the work of an artist who was not only intensely private, but who made solitude and introspection important themes in his painting. By 1899 he had already decided to become an artist, but his parents persuaded him to begin by studying commercial illustration because this seemed to offer a more secure future. Later, at the New York School of Art, he studied under Robert Henri, one of the fathers of American Realism - a man whom he later described as 'the most influential teacher I had'. In 1906 he followed the fashion to study in Paris but was later to claim that it had little effect on him - he hadn’t even heard of Picasso while there for instance. He visited Europe on two more occasions – in 1909 and 1910 – then never went to Europe again. Hopper had settled in Greenwich Village, which was to be his base for the rest of his life, and in 1923 he renewed his friendship with a neighbour, Jo Nivison, whom he had known when they were fellow students under Henri. She was now forty and Hopper fortytwo. In the following year they married. Their long and complex relationship was to be the most important of the artist's life. From the time of his marriage, Hopper's professional fortunes changed. His second solo show, at the Rehn Gallery in New York in 1924, was a sell-out. The following year, he painted what is now generally acknowledged to be his first fully mature picture, The House by the Railroad. With its deliberate, disciplined spareness, this is typical of what he was to create thereafter.


May 20-21 1966 Artists James Gardner & Herb Greene. Jefferson Airplane, Grateful Dead at Fillmore Auditorium, SF © 1966 Bill Graham © James Gardner & Herb Greene



                 Bob Colacello's "Holy Terror" Re-Released

Bob Colacello, the editor of Warhol’s Interview magazine, spent that decade by Andy Warhol's side as employee, collaborator, wingman, and confidante. In the rerelease of Holy Terror, Colacello brings us into Andy's world: into the Factory office, into Studio 54, into wild celebrity-studded parties, and into the early-morning phone calls where the mysterious artist was at his most honest and vulnerable. Colacello gives us, as no one else can, a riveting portrait of this extraordinary man: brilliant, controlling, shy, insecure, and immeasurably influential. When Holy Terror was first published in 1990, it was hailed as the best of the Warhol accounts. Now, some two decades later, this portrayal retains its hold on readers—as does Andy’s timeless power to fascinate, galvanize, and move us. Holy Terror: Andy Warhol Close Up, An Insider's Portrait by Bob Colacello Vintage Publications, introduction by Bob Colacello


Annik Honoré, the inspiration for "Love Will Tear Us Apart", dies aged 56. 

Annick Honoré / Joy Division - "A verdade atinge todo mundo". 

Annik Honoré, a promotora musical belga e jornalista, morreu aos 56 anos. Honoré era mais conhecida pelo seu relacionamento com Ian Curtis, que conheceu em Londres, 1979.

Nascida em 12 de outubro de 1957, na Bélgica, Honoré mudou-se para Londres em 1979, onde se tornou secretária na Embaixada da Bélgica.

Mais tarde nesse ano, Honoré e o jornalista Michel Duval começam a promover shows no Plano K, em Bruxelas. os Joy Division tocaram na noite de abertura do clube no dia 16 de outubro.

 Em 1980, Honoré e Duval fundaram a Factory Records, marca Factory Benelux, bem como o selo musical independente belga Les Disques du Crépuscule.

 Les Disques du Crépuscule lançaram registos de Michael Nyman, Josef K, Cabaret Voltaire, Gavin Bryars, The Pale Fountains, e a cassete, From Brussels With Love, que incluía contribuições de John Foxx, Thomas Dolby, Bill Nelson, Brian Eno e Durutti Column.

Honoré deixou o mundo da música na década de 1980 e trabalhou para a União Europeia, em Bruxelas.

 Falando sobre seu relacionamento com Ian Curtis, em 2010 Honoré disse: "Era uma relação completamente pura e platônica, muito infantil, muito casta ... eu não tive uma relação sexual com Ian, ele estava a usar medicação, tornou-se num relacionamento não-físico, estou tão farta que as pessoas questionem a minha palavra ou a sua: as pessoas podem dizer o que quiserem, mas eu sou a única pessoa a ter as suas cartas ... Uma das suas cartas diz que o relacionamento com a sua esposa Deborah já tinha terminado antes de nos conhecermos uns aos outros. "
Ian e Deborah Curtis separaram-se antes de ele cometer suicídio. numa série de entrevistas a proposito do filme, "Control". falou sobre o relacionamento do casal dizendo "durante o meu casamento eu estava completamente alienada dos meus amigos e da minha família".

 Os dois casaram-se em 1975, quando Deborah tinha 18 anos e Ian 19. Quatro anos mais tarde uma menina Natalie Curtis, nasceu, justamente quando os Joy Division se separaram.

O sucesso não foi bem-vindo, o casal tinha problemas de dinheiro, e a combinação da vida de um artista pop, a epilepsia de Ian, o seu temperamento e as depressões não aliviaram uma união estável.

No mesmo ano, quando a sua filha nasceu Ian começou uma relação com Annik Honoré, uma jovem trabalhadora na Embaixada da Bélgica.

 We're looking to give the world a truthful view of who Ian really was ... Given his suicide, there's so much concentration on the dark side of his life. We want to also concentrate on the energy that made people love Ian and Joy Division in the first place, while putting difficult elements such as his epilepsy into perspective. It will be a balanced approach - this isn't the rock and roll Shine."

 Honoré morreu a 3 de julho, de 2014, depois de uma doença grave.
Ian Curtis morreu a 18 de maio, de 1980, aos 23 anos.



Morreu o pianista de jazz e pioneiro de 'hard bop'. Horace Silver, a morte de um mestre do ritmo, de um ícone do jazz, 1928-2014.

 O pianista e compositor de jazz Horace Silver, pioneiro do "hard bop" na década de 1950, faleceu na quarta-feira, 19 junho, 2014, aos 85 anos, anunciou a NPR, a Rádio Nacional Pública americana, em sua página on-line, citando o filho do músico.

 Nascido em Connecticut (nordeste dos EUA), Horace Ward Martine Tavares Silva era de uma família originária do Cabo Verde e, desde a infância, foi influenciado pela "folk music" das ilhas da costa do Senegal. Horace Silver começou tocando sax tenor e, em seguida, passou para o piano, acompanhando o saxofonista Stan Getz em sua turnê. Depois, instalou-se em Nova York, onde trabalhou por 25 anos para o selo Blue Note.

Seu primeiro álbum, "Horace Silver and the Jazz Messengers", é considerado a pedra angular do "hard bop", que se inspira no R&B;, no gospel e no blues, em oposição ao "cool jazz", o jazz "dos brancos".

 Começou por ser saxofonista no Connecticut natal, mas seria já depois de trocar o saxofone pelo piano e Connecticut por Nova Iorque que Horace Silver começou a destacar-se e a iniciar um percurso que o preservou como um dos fundadores do hard bop e um músico que, pela elegância e simplicidade melódica e pela dinâmica cativante do ritmo, se tornaria uma referência no final da década de 1950 e na seguinte.

 Nascido Horace Ward Martin Tavares Silva a 2 de Setembro de 1928, Silver tocou com gigantes como Stan Getz, o primeiro a reconhecer-lhe o talento, Miles Davis ou Lester Young. Fundou os muito influentes Jazz Messengers com Art Blakey, e ajudou a revelar talentos como o saxofonista Joe Henderson, o trompetista Art Farmer ou o baterista Billy Cobham.

 Filho de um cabo-verdiano imigrado nos Estados Unidos, John Tavares Silva, operário numa fábrica de borracha e multi-instrumentista (violino, mandolim) que seria influência musical marcante (o clássico Song for my father inspira-se nas tardes passadas a ouvir o pai e o tio tocarem mornas e coladeras), o pianista morreu de causas naturais esta quarta-feira na sua casa em New Rochelle, Nova Iorque, adiantou o seu único filho, Gregory, à NPR. Horace Silver tinha 85 anos. “Pessoalmente, não acredito em política, ódio ou fúria na minha composição musical. A música deve levar felicidade e alegria às pessoas e fazê-las esquecer os seus problemas”, escreveu no texto de acompanhamento de Serenade to a Soul Sister, álbum editado em 1968.

 Na década seguinte, iríamos encontrá-lo a procurar dar voz a essa necessidade, quando gravou uma série de três álbuns conhecida como The United States of Mind, os primeiros em que trabalhou de forma continuada com a voz, incluindo a sua, e que reflectiam um desejo de autodescoberta espiritual através da música.

 Os discos, editados entre 1970 e 1972, não foram consensuais, quer junto da crítica, quer junto daqueles que acompanhavam há muito a sua música. Reflectiam o seu desejo de mudança num mundo que, também ele, mudava rapidamente. Porém, Horace Silver é celebrado como um dos grandes nomes do jazz pelo que fizera antes.

Outras mudanças: é um dos nomes fundadores do hard-bop, ramificação do revolucionário bebop que, apropriando-se do rhythm’n’blues ou do gospel, colocava a ênfase no ritmo e numa maior simplicidade harmónica. Foi neste período que criou alguns dos seus temas mais famosos, como Filthy McNasty, The Preacher, Sister Sadie, a latina Señor blues ou a supracitada Song for my father. Começava a fazer o seu nome enquanto pianista no circuito local quando, aos 22 anos, Stan Getz ouve o seu trio no clube Sundown, em Hartford.

Trabalharia com o saxofonista durante cerca de um ano, antes de se mudar para Nova Iorque, onde não tardaria a tornar-se músico requisitado pela fervilhante comunidade jazz da cidade, trabalhando com Coleman Hawkins ou Lester Young. Em 1953, fundava com o baterista Art Blakey os Jazz Messengers que, com a sua formação de trompete, saxofone tenor, piano, contrabaixo e bateria, viriam a ser o standard para a instrumentação hard-bop, escrevia ontem Peter Keepnews no obituário publicado pelo New York Times. Keepnews destaca o estilo peculiar de Silver: “Improvisando com destreza motivos engenhosos com a sua mão direita enquanto atacava sonoras linhas de baixo com a esquerda, conseguia evocar simultaneamente pianistas de boogie-woogie como Meade Lux e beboppers como Bud Powell.

Porém, ao contrário de muitos pianistas bebop, Silver enfatizava a simplicidade melódica sobre a complexidade harmónica”. Horace Silver manter-se-ia com os Jazz Messengers durante dois anos e meio, antes de formar o seu quinteto, inicialmente composto pela mesma formação dos Messengers, com excepção de Art Blakey, substituído pelo então muito jovem Louis Hayes.

 Seria enquanto líder que gravaria álbuns como 6 Pieces of Silver (1956), Blowin’ the blues away (1959), Song for my father (1965) ou The Cape Verdean Blues (1965), todos eles editados pela Blue Note, a mítica casa discográfica à qual esteve ligado entre 1955 e 1980.

 Um dos nomes mais célebres do jazz em palco e em disco durante a década de 1960, com o groove do seu hard-bop a servir como banda-sonora perfeita para o período (influência transversal: os Steely Dan criaram o seu maior sucesso, Rikki, dont’t lose that number, sobre a linha de baixo de Song for my father), Horace Silver manter-se-ia bastante activo em palco e em estúdio nas décadas que se seguiram.

No início dos anos 1980, fundou a Silveto, editora de vida curta, antes de prosseguir carreira com álbuns para a Impulse!, Verve ou Columbia.


Morreu o cantor e compositor Bobby Womack.Tinha 70 anos. Calou-se a voz do "soul". Bobby Womack, escreveu letras para alguns dos maiores músicos do século XX. Womack nasceu em Cleveland, no Ohio. Iniciou a carreira na década de 50. Cresceu com o gospel e tornou-se uma referência do R&B e de nomes como Jimi Hendrix. A droga e os problemas de saúde acabaram, no entanto, por afastar o artista dos palcos. O norte-americano sofria de Alzheimer. Em 2012 foi-lhe, também, diagnosticado um cancro no cólon. Nesse mesmo ano, e depois de uma longa ausência regressou ao trabalho com o álbum intitulado “The Bravest Man in the Universe” pelas mãos de Richard Russell – patrão da editora XL Recordings. Para este verão, Womack tinha agendada uma digressão pela Europa. O músico iniciou a carreira ao lado dos irmãos no quinteto The Valentinos e colaborou com nomes célebres da música como Aretha Franklin e Ray Charles. A luta contra as drogas e problemas de saúde também marcou a sua vida. O cantor e compositor de "soul" Bobby Womack morreu, na sexta-feira, aos 70 anos de idade, anunciou a revista Rolling Stone, que cita um representante da editora do músico, a XL Recordings. Responsável por sucessos como "It's All Over Now" e "Looking for Love", Womack começou a sua carreira ao lado dos irmãos no quinteto de gospel The Valentinos, no início da década de 1960. Natural de Cleveland, Ohio e filho de músicos, Womack explicou, numa entrevista à BBC, que a primeira guitarra que teve era mais bonita do que todos os móveis da sua casa. «Se alguma vez tocares na guitarra vais ter de te haver comigo», foram as palavras que ouviu do pai, que tinha recebido a guitarra em troca de cortar o cabelo a um cliente durante alguns meses. Para além das colaborações com Aretha Franklin e Ray Charles, entre muitos outros, a carreira do génio do "soul" ficou marcada também por uma luta de vários anos contra a droga, contra um cancro do cólon e a doença de Alzheimer.


O artista Alexandre Farto, que assina como Vhils, “tenta questionar a cidade”, através da revisitação de trabalhos mais antigos e de outros “completamente novos”, na mostra “Dissecação”, patente a partir de 05 de julho, no Museu da Eletricidade, em Lisboa.

 Em “Dissecação/Dissection”, Alexandre Farto, de 27 anos, conseguiu juntar obras nas quais utiliza diferentes técnicas, que “fazem uma reflexão sobre o próprio conceito do trabalho, que tenta questionar a cidade, num ato quase de dissecação”, disse em declarações à agência Lusa.

 Este artista português começou por pintar paredes com "graffitis", aos 13 anos, mas foi a escavá-las com retratos que captou a atenção do mundo. A técnica consiste em criar imagens, em paredes ou murais, através da remoção de camadas de materiais de construção, criando uma imagem em negativo.
Na exposição será possível ver-se, através de ecrãs de televisão, imagens de projetos que Alexandre Farto desenvolveu em países como a China (em Xangai) e o Brasil (no Morro da Providência, Rio de Janeiro) recorrendo à técnica da "escavação" de retratos na parede, mas não só. Além dos muros, fazem parte do percurso de Vhils retratos feitos com cartazes sobrepostos (retirados de muros de cidades), em madeira, em esferovite ou outros "pintados" com o recurso a ácidos. Vhils pretende que se faça uma “reflexão sobre a cidade, a maneira como está a crescer e a maneira como afeta a sociedade em geral”. “[Haver] 50% da população mundial a viver em centros urbanos, é algo que nos afeta a todos".

Por isso procura "refletir sobre aquilo que ganhámos em nome do conforto que se conseguiu dar a um grande grupo da população mundial e, ao mesmo tempo, também sobre aquilo que se está a perder em nome do conforto”, afirmou. A mostra começa e termina com peças “completamente novas”. Numa delas, Alexandre Farto faz a dissecação de uma carruagem de metro, “comprada a peso num ferro velho”. Na outra, criou uma cidade em esferovite.

Esta peça só consegue ser apreciada do alto de uma espécie de andaime, montado no local. Para quem não conseguir subir à estrutura, haverá ecrãs que emitem o sinal de uma série de câmaras, "aludindo à videovigilância", apontadas para a peça. Esta vai ser a primeira exposição individual de Alexandre Farto num museu português. “Finalmente tenho uma oportunidade de mostrar um trabalho num contexto completamente diferente.
E finalmente aqui conseguiu juntar-se esses grupos de trabalho todos [já desenvolvidos]", disse.

 Apesar de o trabalho artístico de Alexandre Farto ter começado nas ruas, o artista lembra que sempre fez “trabalho 'indoor' [dentro de portas]”. “Sem dúvida que o 'background' e o que me influenciou a fazer aquilo que eu faço vem tudo muito da rua, e é uma das coisas a que dou mais valor no meu trabalho”, referiu.

Talvez por isso, a exposição não se confina apenas ao interior do Museu. “A ideia era que a exposição se abrisse à cidade, daí terem sido feitas intervenções em Alcântara [onde surgiu um rosto em grandes dimensões numa parede] e no silo [onde está uma série de rostos], aqui”, no museu. Aos 27 anos, Alexandre Farto tem o seu trabalho reconhecido a nível nacional, mas sobretudo a nível internacional. No entanto, esse “não foi o principal motivo” que o moveu ao longo da carreira. “A ideia sempre foi tocar nestes assuntos que sempre me preocuparam se alguma maneira. As paredes foram aparecendo e fui fazendo alguns projetos por iniciativa própria. E isso é positivo para o trabalho também”, disse.

“Dissecação/Dissection” estará patente de 05 de julho a 05 de outubro, e tem entrada gratuita. O processo de preparação da mostra pode ser acompanhado em www.vhilsfundacaoedp.com. No dia 04 de julho, data da inauguração da exposição, haverá uma festa na discoteca Lux, que conta com a atuação do rapper Chullage, do grupo Orelha Negra, em versão DJ set e com um convidado surpresa.

 Ainda no âmbito da exposição, ao longo do mês de julho, vai decorrer um "workshop" dirigido a jovens, que tem uma parte mais ligada ao hip-hop, da responsabilidade do rapper Chullage e dos 12 Macacos, e “uma outra parte mais prática, em que se vai trabalhar mais o material: stencil e serigrafia”, adiantou Vhils.


As one of the early pioneers in the industrial and noise fields, Bianchi never quite attained the same status as Whitehouse, Throbbing Gristle, or SPK. This might be because of his relatively short career: beginning as Sacher-Pelz in 1979 and continuing on under his own name until 1984, his time on the scene was brief, but prolific.

This reissue of one of his classic albums is augmented both with bonus tracks and a second disc of obscure/bootlegged tracks that showcase one of the bleakest, most desolate musicians of his time. The two side-long tracks that make up the bulk of the original LP have an overall consistent sound of dank , low register synthetic pulses occasionally overrun by static-y, stuttering outbursts. “Fetish Pinksha” moves along at a snail’s pace, the outbursts never taking hold over the otherwise slow, filmic sound. “Sterile Regles” incorporates a shifting, lugubrious, low-tech drum machine pattern with pieces of tremolo heavy feedback resembling a proto-industrial funeral march. Synth elements that now characterize the dark ambient genre, along with squealing bits of feedback, give the sound an overall more frightening quality.

 The two bonus tracks on this disc stem from compilation appearances around the same time span. “Placenta” has a more open, ambient science-fiction sound rather than the dark, gray ambience of the rest of the disc, while “Untitled” opens with the thumping, filtered, white noise that would soon become synonymous with the power electronics genre. It should be noted that the contents of this disc (including the mastering) are essentially identical to the release EEs’T put out some ten years ago. The second disc, originally a Japanese bootleg titled Genocide of the Menses, collects previously rare bootleg tracks onto a single disc. “Zyclombie” is another track of deep pulsing synths and sci-fi type oscillator sounds that originally appeared on the Japanese bootleg LP, Leibstandarte SS MB 2. It sounds surprisingly good given its raw sources. The two-part title track originally appeared as a limited-to-50-copies acetate 7” and is more in line with the Mectpyo Bakterium album: dour minor synth chords and static heavy noise elements that never overpower, but serve as a nice counterpoint to the depressive sounds.

 The second part’s dive-bomb synths and overdriven low frequency elements are an obvious precursor to the likes of today’s Genocide Organ and Anenzephalia and other such folks. The final four tracks originally surfaced on the bootleg M. B. Anthology 1981-1984 and show more of the variation of styles Bianchi employed throughout his career. “Neuro Habitat” is twelve minutes of what sounds like a silent film score organ augmented with a slow, primitive drum machine pulse. “Humus Nucleaire” features the same sort of rhythm track, but the synths have a lighter, more airy feeling to them, even though it doesn’t last.

 The raw electronics and beat boxes sound like a more lo-fi, slightly darker take on early Cabaret Voltaire. While many of his peers relished the anger and violence that could be created using the early electronic instruments, Bianchi was content to paint a bleak canvas of gray sounds that are more depressing than malicious. Never moping or self-loathing, it is instead a dark, cold style that, after some 26 years, has obviously influenced a multitude of modern artists working at the extremes of sonic art.
 Creaig Dunton

 The new German groups like Der Plan, DAF (Görl, one of those drummers…), Palais Schaumburg, Din-A-Testbild it was an older friend who introduced me to everything industrial. TG, Lustmord, NWW, later incarnations like Psychic TV et all, it was this LP from ‘82 that proved to last after rediscovering.


Gruppo Di Improvvisazione was Ennio Morricone's jazz/avant-garde/classical group throughout the 60s and early 70s. The group's style changed in the early 70s from Stockhausen-esque possessive soundscapes to dry drum breaks with screaching trumpets and guitars. "The feed-back" is considered highly as an Italian avant-garde classic.

 'The feedback' showcases Ennio Morricone sounding off a flat trumpet that fits perfectly with the cold and cacophonous intermingling of instruments. "Seguita" is from 'Gli Occhi Freddi Della Paura' (Cold Eyes of Fear) a dramatic action movie Morricone soundtracked in 1971. The song spawns images of tall, dark men in black suits running through damp streets and narrow alleys. I haven't seen the movie so perhaps my mental image isn't too far from Morricone's theatrical intention.

 CD edition. Long-awaited reissue of this incredible and near-mythical 1970 album, remastered from the original master tapes with superior sound quality, replica of the original RCA LP (in gatefold digipack with additional liner notes) in a limited edition of 500 copies. An insane amalgam of avant-improvisation and motorik krautrock beats that, understandably, has become one of the most collectable LPs ever issued (original copies are impossible to obtain).

 Just as the first "krautrock" lp's were coming out in Germany, in Italy we had a surprisingly similar counterpart: this album. It consists of three long instrumental tracks, somewhere in between psych-rock, avantgarde jazz and funky jams. The sound is definitely experimental and ostentatiously "underground". None of the instruments involved tries to be reassuring: the guitar is scratchy, the trumpet sounds choked, piano and keyboards are always dissonant and a background of "proto-industrial" noises is present all along the record.

The music, anyway, is thrilling. The drum patterns, in particular, are extraordinary: regular, tight, groovy, and incredibly close to the "motorik" beat of Can and Neu!...Mystical, spaced-out free music at its best "The Group" was not a band of young beatniks. As a matter of fact, it's just a pseudonym for Gruppo d'Improvvisazione Nuova Consonanza, a project of renown soundtrack composer Ennio Morricone along with other important experimental musicians. The rock-focused attitude of the record is quite surprising for such a team of classically-trained men already in their forties!


Darren Coffield and Graham Bignell - Factual Nonsense – Sex Art Money
Compston’s public work, such as the Fete, in many ways foreshadowed some of the recent public artworks by Jeremy Deller, yet aside from the public events, the book also highlights Compston’s more conventional artworks. Coffield praises Joshua’s ‘Other Men’s Flowers’ collection as “one of the most underrated and overlooked artworks of the last twenty years.”

 Coffield notes that he and Compston were interested in printed ephemera and says that the two of them would attend ephemera fairs at the Victory Services club near Marble Arch, with Joshua going on to recycle the purchased turn of the century paper curios by sending people letters scrawled on the back of “old ocean liner menus, Edwardian cheques and pre-war public health posters.”

Compston’s ‘Other Men’s Flowers’ project saw him recruit a number of leading British artists, old and new, to produce a series of prints, inspired by ephemera and based on old texts, so Mat Collishaw recreated a page from Lady Chatterley’s Lover, for example, while Henry Bond contributed a description of Monaco.


Wary of high expectations, the Sydney Festival 4 night event was billed as a “rehearsal”, but there was heaps of fan anticipation when the original members of The Triffids, and a host of friends, took the stage to celebrate the words, songs & life of David McComb, principal songwriter & frontman of the band (who died in Feb ’99). It was, after all, the band’s first Australian performance in 18 years…

 Wary of high expectations, the Sydney Festival 4 night event was billed as a “rehearsal”, but there was heaps of fan anticipation when the original members of The Triffids, and a host of friends, took the stage to celebrate the words, songs & life of David McComb, principal songwriter & frontman of the band (who died in Feb ’99).

 It was, after all, the band’s first Australian performance in 18 years, And what a wealth of songs David wrote for The Triffids, The Blackeyed Susans, The Red Ponies, Costar and for others to sing. Hell, he & Alsy & an ever shifting line-up of friends self released 9 cassettes of material and a handful of singles even before the first Triffids album proper, “Treeless Plain”, came out in ’83. Songs just seemed to pour out of the man.

 The UK’s NME declared 1985 the year of The Triffids, but it may be that 2008 is much more deserving of that accolade: In January, Tornado Alley Productions commenced filming a documentary on McComb. Sometime this year is expected the release of a biography on him & The Triffids by NME’s Bleddyn Butcher.

And the exquisitely produced deluxe re-issues of the Triffids’ albums & singles have been released by Domino Records worldwide (and by Liberation Records in the Antipodes). And then there was this grand 3 hour event back at the Sydney Festival, with the band joined by members of The Blackeyed Susans & others (a stand out being Steve Kilbey of The Church whose vocal performance on a handful of songs was breathtaking).

 If you weren’t lucky enough to be in the audience, I believe footage from the 4 nights will be included in the documentary. In the meantime, you can listen here to 6 songs from the first night, each of which were originally on arguably the band’s greatest release, Born Sandy Devotional. Even tho recorded in London, the album is so evocative of Australia. At the time of its release, it was my soundtrack (along with the ‘tweens Liberty Belle) on my monthly “country-run” from Wagga Wagga, Albury, Bendigo, Ballarat & back to Melbourne, and the songs to this day evoke for me Australia’s horizon, wherever I am. R.I.P. David, long live the Triffids.

The Triffids & Friends: Metro Theatre, Sydney “A Secret In The Shape Of A Song” Jan 17, 2008 The Seabirds (vocals by Mick Harvey)
Tarrilup Bridge (vocals by Jill Birt)
Wide Open Road (vocals by Steve Kilbey)
Life Of Crime (vocals by Mark Snarski)
Personal Things (vocals by Toby Martin)
 Stolen Property (vocals by Steve Kilbey)
 photo courtesey of Jamie Williams


Related Posts with Thumbnails