24/02/2013

NAPSTER - DOWNLOADED- DOCUMENTARY

Napster: o dia em que a música foi libertada.

A revolução da música digital começou com o Napster - o serviço de compartilhamento de arquivos sonhado por dois adolescentes em 1999, mudou a face da música para sempre.

Um olhar perspicaz de como duas crianças inteligentes ainda pouco sofisticadas revolucionaram uma indústria.

 A ascensão e queda do Napster, o nascimento da tecnologia de compartilhamento de arquivos peer-to-peer, criado por Shawn Fanning quando ainda era um estudante de faculdade, mudou a música para filmes, e possibilitou tudo o que Julian Assange, fez oWikiLeaks para o iPod e Facebook.  

Tornou-se uma expressão de revolta da juventude, e contribuiu para uma mudança completa na forma dos governos e os média trabalhar com a informação. E é uma fascinante historia humana, onde um miudo de 18 anos de idade, inventa uma rede peer-to-peer e traz para o mundo seis meses depois.

O diretor e conhecido actor Alex Winter -  o mesmo Alex Winter, que juntou forças com Keanu Reeves no filme  Bill & Ted, e The Lost Boys, fez um documentário sobre o assunto chamado Downloaded- chega aos cinemas em 2013, revela uma série de músicos e figuras da indústria tecnológica pesando sobre a história do Napster, Sean Parker, Shawn Fanning, David Bowie e Michael Diamond.

O novo filme conta a história do Napster, Tom Lamont recorda a incrível sensação de libertação, ele sentiu como um jovem fã de música, um dos milhões que fizeram pilhagens de coleções de todo o mundo..

Shawn Fanning, um dos dois fundadores adolescentes do Napster, em 2000, trabalhou num PC emprestado no escritório do seu tio, em Massachusetts e dormia muito próximo durante os dias- longas sessões de programação.

Nas primeiras semanas de 2000, os fundadores do Napster, Shawn Fanning e Sean Parker, estavam no seu escritório acima de um banco em San Mateo, Califórnia, considerando números vertiginosos. Figuras rabiscadas um quadro branco disse quantas pessoas em todo o mundo tinham instalado a aplicação de compartilhamento de arquivos e estavam usando-o para baixar músicas de cada um dos outros computadores. 

 Em entrevista no SXSW, Parker, brincando, disse: "Nós só tivemos o encontro com o [Alex Winter] porque tinha visto 'Bill & Ted Excellent Adventure".

Como relatado em Downloaded - um documentário estreou no festival de cinema SXSW, contando a história de um pedaço de software que veio e foi chicoteado até a uma nova  indústria música digital -o Napster tinha 20 milhões de utilizadores no momento.
Eu tinha 17 anos, e o proprietário de uma coleção de músicas irregular, cerca de 20 álbuns, a maioria deles uma verdadeira vergonha (OMC's How Bizarre, the Grease 2 soundtrack).

Um dia eu tive acesso não supervisionado do PC da família e, por razões esquecidas, um desejo de ouvir o exagerado número orquestral do filme Austin Powers . Eu era um utilizador modelo do Napster: Internet equipada, impaciente e principalmente ignorante dos elementos éticos e legais de peer-to-peer de compartilhamento de arquivos. Eu instalei o software, procurei na vasta lista do Napster de arquivos MP3, e logo tive Soul Bossa Nova kilobyte por kilobyte plinking no meu disco rígido.
"É difícil de descrever para as pessoas ... a quantidade de material disponível de repente," guru de tecnologia John Perry Barlow diz Alex Winter, o diretor de Downloaded, no documentario e acrescentou: "Não houve aceleração não houve transição foi como aquela cena famosa de 2001:.. Uma Odisséia no Espaço, quando o macaco pré-histórico joga um osso no ar e transforma-se numa nave espacial. Napster foi um salto ridículo para a frente ", "
fui imediatamente levado com o Napster quando apareceu. Era claramente uma tecnologia revolucionária, explodiu e abriu a minha experiência musical, reunindo-me com a música que eu não tinha escutado e expondo-me a um monte de músicas que eu ou não sabia ou não apreciava antes".
As questões de conteúdo criativo não me ocorreu naquele momento, porque, pessoalmente o Napster incentivou-me a ir para á frente e comprar mais música do que eu já tinha antes ou depois. As questões dos direitos autorais e implicações mais amplas tornou-se claro para mim muito mais tarde.
Quando soube que era hora de dizer a historia a Shawn Fanning e Sean Parker ?
Eu conheci Fanning em 2002, o Napster estava desmoronando. Ele estava aberto para contar a sua história, e eu estava bem consciente de ambos, a historia do Napster e a jornada pessoal de Fanning e Parker,  tudo isso daria um filme incrível. Sendo o negócio do cinema o que é, 10 anos depois, aqui estamos.
Por que Parker e Fanning confiaram em você para contar a história do Napster?
Eu acho que é porque eles estavam cientes desde o início que, independentemente das questões jurídicas em torno do Napster, eu entendi a natureza, magnitude e o quanto revolucionário eles criaram e lançaram. Eu era muito claro com eles e pretendia mostrar todos os lados do argumento, não só o deles, mas eu acho que eles confiaram que tenho passado.
No seu site você faz notar a marca de Justin Frankel usando uma música dos Butthole Surfers, "Pepper", para lançar o Winamp, um precursor do Napster. É algo predestinado que a sua carreira como diretor foi lançada para fazer filmes com os Butthole Surfers? Existe uma conexão?
Você pode executar a partir dos Butthole Surfers, mas você não se pode esconder.
Quando você se propôs a fazer um documentário, a história pode tomar forma em grande parte como você está filmando, entrevistando e editando. O que você viu tomar forma que não necessariamente esperava?
Eu escrevi originalmente este como um filme de narrativa linear, o que exige uma certa dose de dogmatismo e atar pontas soltas. Um doc é o oposto. Há tantos lados legítimos para a história e tantos tocando muito brilhante e interessante do lado técnico, o lado da música, as etiquetas, etc.


 Eu estava constantemente aprendendo, sempre tendo as minhas crenças desafiadas e expandidas. E isso é exatamente o que eu quero que o espectador experimente. Este filme é feito para inflamar a conversa, não para acabar com ela.
Você acha que a percepção do Napster, e da evolução do download do Winamp para o Wikileaks, vai mudar depois de verem "Downloaded"?
Eu acho que a maioria das pessoas tem uma idéia bastante vaga na mudança de paradigma tecnológico que está ocorrendo no mundo. Espero que o filme lance uma luz sobre estes tempos malucos que estamos vivendo.


Conseguir música fora da internet antes Napster era complicado, não confiável - " uma dor colossal na bunda". Winter diz que tinha "amigos que iriam passar 14 horas tentando sacar uma canção Butthole Surfers desligada. E seria um fracasso. E eles iriam tentar novamente. E seria um fracasso."

23/02/2013

R.I.P MAGIC SLIM

Magic Slim, praticava um tipo de blues cru e directo, assente na sonoridade da sua guitarra e na voz possante, um músico de grandes nomes contemporâneos do blues, como Muddy Waters e Howlin' Wolf, morreu nesta quinta-feira (21) aos 75 anos, segundo informações da agência Associated Press.

Conforme divulgado pelo seu empresário Marty Salzman, Slim, que morreu num hospital da Filadélfia, tinha problemas de saúde que se agravaram enquanto ele estava em uma turnê durante o mês de janeiro, na Pensilvânia, Estados Unidos.

"Se você vai levar alguém que nunca tenha visto blues a um de seus shows, seria como colocá-lo em uma máquina do tempo de volta para 1962", disse Salzman. "Sem frescura, sem rock’n’roll. Era só sempre em frente, blues verdadeiro", declarou.

Uma das figuras representativas dos blues eléctrico de Chicago, o estado de saude de  Magic Slim,  ter-se-á agravado com uma digressão iniciada há semanas com o seu grupo, Magic Slim and the Teardrops, que eram muitas vezes descritos como a “última verdadeira banda blues de Chicago.”


O nome verdadeiro de Slim era Morris Holt e  nasceu em Mississippi. Na década de 1950, o músico se estabeleceu em Chicago, porém, mais recentemente, se mudou para Lincoln, em Nebraska.

22/02/2013

R.I.P KEVIN AYERS


Soft Machine: (da esquerda) Kevin Ayers, Robert Wyatt, Mike Ratledge e Daevid Allen

4 DIAS SEM LIGAR O COMPUTADOR, COMECEI A TRABALHAR DEPOIS DE 5 MESES SEM FAZER NADA, DOU DE CARAS COM UMA TRISTE NOTICIA, Kevin Ayers, o mestre do psicadelismo britânico, o trovador da pastoral psychedelic pop music, morre aos 68 anos.
Kevin Ayers, membro fundador dos Soft Machine e figura central da chamada cena de Canterbury, faleceu há dois aos 68 anos.

Figura tutelar do psicadelismo britânico, Ayers gravou extensivamente a solo e viu o seu nome associado a importantes figuras como Brian Eno, Syd Barrett, John Cale, Robert Wyatt ou Mike Oldfield, nomes com quem colaborou ao longo dos anos.

São inúmeras as histórias que cruzam o nome de Ayers como verdadeiras lendas da música. No final dos anos 60, andou em digressão nos Estados Unidos com Jimi Hendrix, fazendo as primeiras partes dos seus concertos, e vendeu o seu baixo Fender Jazz branco a Noel Redding, que fazia parte do trio do homem de Are You Experienced? .



Alto, bonito e voz tão excêntrica quanto genial, tinha todos os atributos necessários para o papel. Ele fez uma tourné com Jimi Hendrix e era amigo de Syd Barrett, fundador dos Pink Floyd. Foi ainda responsável pelo rompimento do primeiro casamento de Richard Branson.
Syd Barrett, cujos Pink Floyd eram, a par dos Soft Machine de Ayers, reis do psicadelismo britânico com sede no clube londrino UFO, desapareceu de vista antes de tomar consciência que ela, a juventude, iria desaparecer.

A primeira vez que teve atenção foi em 1967 com os Soft Machine, a sua pioneira banda de rock, o nome deriva de um romance do ícone da geração beat, William Burroughs- após obter a permissão do escritor, a banda fundiu géneros e manteve um desdém altivo para o sucesso gráfico. No entanto, a menos que se importava, mais a sua influência crescia.
Kevin Ayers nasceu em 16 de agosto de 1944 em Herne Bay, Kent. O pai, Rowan Ayers, foi produtor de televisão BBC e poeta menor. Quando os pais de Kevin se divorciaran a sua mãe casou-se novamente com um funcionário que estava na Malásia, e Kevin viver naquele ambiente provou ser uma experiência que teve um efeito profundo sobre ele para o resto da sua vida.

Com 12 anos foi enviado de volta para a Inglaterra, onde foi educado num colégio interno em Canterbury. Pouco inclinado para atividades académicas, era consideravelmente mais entusiasmado pela música e no estilo de vida boémio que em breve seria descrito como “hippie”.
Ele fez amizade com jovens e logo formando grupos. Em 1964 juntou-se aos The Wilde Flowers, nome em honra do seu herói Oscar Wilde, ao lado do baterista Robert Wyatt e do baixista Hugh Hopper.
Mas no ano seguinte Ayers deixou o grupo para ir viver na ilha de Maiorca. No entanto, não se distanciou dos antigos companheiros – tanto que Robert Wyatt acabou ficando paraplégico após cair numa festa de Ayers, em 1973.

Em Maiorca conheceu Daevid Allen, um guitarrista australiano já versado na boemia parisiense. Juntos, voltaram para Canterbury e formam os Soft Machine, Ayers acrescenta Wyatt para o line-up, o teclista Mike Ratledge e próprio Daevid Allen, futuro fundador dos Gong, substituído posteriormente pelo baixista Hugh Hopper.

Ayers gravou dois álbuns com os Soft Machine, o primeiro durante uma digressão americana com Jimi Hendrix, o segundo para cumprir uma obrigação contratual com a editora.

Soft Machine foram imediatamente saudado como um dos fundadores da música britânica psicadélica. Tocando ao lado de Pink Floyd, eles misturaram rock, folk e jazz para criar um novo som de forma livre, que influenciaria o jazz-rock e o rock progressivo na década de 1970. Assinando com o manager de Jimi Hendrix, os Soft Machine emitem o seu primeiro álbum, Volume One, e Kevin passou grande parte de 1968 a apoiar Hendrix numa longa turné pela América.

Tal esforço foi demais para Ayers, no entanto, preferiu uma vida de indulgência no Mediterrâneo. Mais uma vez saiu de cena e da música, para a vida em Ibiza, onde conviveu com problemas de dependência de heroína “foi a personificação desse ideal dos anos 1960 de criatividade, liberdade de expressão e amor livre”.
Mas os seus talentos marcaram-no como um cantor e compositor de nota, e a EMI Harvest rapidamente assinou-o como artista a solo. Em 1969, lança o seu primeiro álbum a solo, Joy Of A Toy, demonstra o seu encanto, misturando Noël Coward-esque com suaves sabores psicadélicos. Os jovens críticos britânicos de rock estavam entusiasmados, como John Peel na BBC, que defendeu Ayers no seu programa Radio 1.
Cabelos louros, bem-falante e espirituoso, Ayers rapidamente passou a ser visto como o menino de ouro do rock britânico no início dos anos 1970.

Os seus álbuns Shooting At The Moon (1970) e Whatevershebringswesing (1971) foram bem recebidos, e contou com Ayers apoiado por um grupo de amigos vindo de todo o mundo que incluía, entre outros, Robert Wyatt na bateria e um adolescente Mike Oldfield na guitarra. Ambos os álbuns continham fortes, até mesmo canções populares, ao lado de uma grande quantidade de experimentação sónica, como se Ayers desvia-se de um salão musical singalong a loops de fitas.

Kevin lançou 17 discos a solo, com títulos como Lady June’s Linguistic Leprosy, e em 1973 lançou o album Bananamour – na época tinha um entusiasmo surreal por bananas- e o single Caribbean Moon. Finalmente, foi fazer rádio-friendly músic, depois de ter sido assinado com Chris Blackwell o patrão da influente Island Records, e empregando John Reid (manager de Elton John’s manager), parecia que queria ir além do seu nicho confortável de excentricidade.

O album resultante, The Confessions Of Doctor Dream And Other Stories (1974), posicionava Ayers para o sucesso mainstream, e um álbum ao vivo no London’s Rainbow theatre com Brian Eno, Nico, John Cale e Mike Oldfield, sugere que Ayers era acolhido no panteão da realeza do rock britânico.

No entanto, com riqueza e estrelato ao seu alcance, Ayers novamente se esquiva, preferindo voltar para as Ilhas Baleares, em vez de trabalhar ou andar em tourné e promoção. Prosseguindo vários vícios e mulheres em igual medida, começou a divertir-se. Oa seus albums em meados de 1970, Sweet Deceiver e Yes We Have No Mananas, falham em produzir os hits necessários e, no final de 1970, uma vez que o punk tinha abalado o estabelecido rock britânico, tinha em grande parte retirado os holofotes de Deia, Majorca, a vila que ficou famosa por Robert Graves.

Por essa altura Ayers conheceu Kristin Tomassi, a primeira esposa de Richard Branson, e começou um caso com ela. Embora o casamento de Branson fosse assolado por infidelidades de ambos os lados, a ligação de Ayers com Tomassi provou uma brecha irreparável. Ayers e Tomassi passam a ter uma filha.

Na década de 1980, viciado em heroína, deixou a sua criatividade nas mãos de outros. Os seus álbuns desse período eram uma ferida. A partir de Deia, Ayers gravou uma série de álbuns que entretém os seus seguidores mais fiéis, mas pouco fizeram para sugerir que ele foi tudo menos um homem fora do tempo. O seu álbum de 1992 Still Life With Guitar, foi um caso, em grande parte acústico, soa extremamente relaxado.

Foi a ultima gravação de Ayers a ter a guitarra do seu amigo, Ollie Halsall que iria morrer em breve de overdose de drogas. Ayers depois retirou-se quase completamente do mundo, compra uma propriedade em Montolieu, no Sul da França (Maiorca tornou-se muito popular e cara). Lá viveu discretamente, financiado pelo fio dos royalties.

Também vivendo em Montolieu o artista americano Timothy Shepard, fez amizade com Ayers. Shepard, depois de ter ouvido as gravações caseiras e novas canções de Ayers, está determinado a financiar um álbum e um set sobre reserva de sessões de gravação com conhecidos músicos mais jovens ( membros de bandas como os Ladybug Transistor, Neutral Milk Hotel, Teenage Fanclub, Euro Child dos Gorky’s Zygotic Mynci, Phil Manzanera guitarrista dos Roxy Music, Robbie McIntosh, Bridget St. John, membros dos Go-Betweens, bem como os velhos amigos de Ayers, Robert Wyatt e Hugh Hopper).

 A etiqueta de Londres Lo-Max lançou estas gravações como The Unfairground em setembro de 2007, atraindo entusiasmados comentarios. Datas de uma turné foram-lhe oferecidos e falou-se de Ayers gravar com os Blur, mas não aconteceu.

Em entrevista naquele ano com o Daily Telegraph, em Notting Hill, era óbvio que Ayers não estaria assumindo compromissos adicionais: bebia muito, e descartou a idéia de gravar e apareceu traumatizado pela nova atenção.

O menino de ouro do underground britânico, agora marcado pela bebida, não queria nada mais do que voltar para a sua aldeia francesa. E assim o fez e não tocou ou gravou de novo.

Era um dos grandes excêntricos da pop, um eremita sem temperamento e estrutura para jogar o jogo da celebridade. Era um bon vivant convicto, um dandy que saía de cena, não para criar uma aura de mistério à sua volta, mas porque preferia simplesmente ambientes “relaxados”, “com um melhor sentido de cerimónia para as coisas básicas da vida – comida, música, dança, sexo”.

Foi encontrado à hora do almoço por um vizinho. Terá morrido segunda-feira, contou ao Telegraph Bernard MacMahon, da Lo-Max Records, a sua editora.

Ayers morreu enquanto dormia na sua casa de Montolieu (sul da França), onde morou durante os últimos anos.
Deixa uma filha com Kristen Tomassi, e duas filhas de outros relacionamentos.
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11/02/2013

JAFUMEGA

É a notícia possível para os saudosistas da música portuguesa dos anos 80: 28 anos após se terem separado os portuenses Jafumega autores de "Nó Cego", "Ribeira" ou "Latin'América", regressam aos palcos em maio. O Coliseu do Porto e o Coliseu dos Recreios, em Lisboa, recebem-nos 30 anos depois.

 Os Jafumega nasceram depois de os Mini Pop, banda da qual faziam parte os irmãos Mário, Eugénio e Pedro Barreiros, porem termo à sua careira.
Com o nome "Estamos", o disco de estreia dos Jafumega, totalmente cantado em inglês, foi editado em 1980.

“Os grupos Táxi e Jáfumega não gravaram nenhum disco este ano, já que segundo António Pinho, responsável pelo sector nacional da gravadora das bandas, elas consideravam que não tinham «hit» para editar. Assim, Táxi e os Jáfumega não viram concretizados para vinil nenhum dos temas novos, muitos deles apresentados este ano em concertos ao vivo. As duas bandas foram as grandes ausências do mercado discográfico português de 1984.”

Notícia publicada no primeiro número do jornal Blitz

BUS TOURS- N. Y. + PORTO

Porto, 2012
Fifth Avenue Coach Company, New York, 1932

05/02/2013

ACTOR QUEIMA-SE NUM ENSAIO

Um ator de Ópera Lírica de Chicago sofreu queimaduras do rosto e da laringe num ensaio da ópera “Os Mestres Cantores” de Richard Wagner.
O fogo envolveu a cabeça de Wesley Daniel, quando este encheu a boca de álcool e tentou soprar uma língua de fogo. O estado do ator, que devia fazer esse truco ígneo movendo-se de andas, é avaliado pelos médicos como crítico.
“Os Mestres Cantores” é uma ópera de Richard Wagner escrita pelo compositor à base do libreto próprio, em 1861-1867. Esta ópera cómica é considerada uma das melhores obras do composito

R..I.P. REG PRESLEY

Morreu Reg Presley, vocalista dos "The Troggs". Reg Presley, vocalista da banda rock britânica "The Troggs" morreu aos 71 anos, revelou na segunda-feira à noite, um amigo do músico.Reg Presley, conhecido por temas de sucesso como "Wild Thing" e "Love is all around" tinha anunciado há cerca de um ano que padecia de cancro, razão pela qual iria abandonar a banda.A notícia da morte de Reg Presley, que pereceu ladeado por familiares e amigos na sua residência em Andover, no sudeste de Inglaterra, foi revelada pelo veterano jornalista especializado em assuntos de música, Keith Altham, amigo de Presley. 


Karen, filha de Reg Presley, confirmou a morte do pai no portal eletrónico WENN, salientando que os filhos e a mulher estiveram com o músico nos seus últimos minutos de vida.

O cantor anunciou, em janeiro de 2012, o abandono da banda depois de ter ficado doente num concerto na Alemanha."Os exames mostram que tenho cancro do pulmão", escreveu Reg Presley, na altura, na página oficial da banda na Internet.

JIM O´ROURKE- HEIJI HAINO-OREN AMBARCHI

Oren Ambarchi/Jim O’Rourke/Keiji Haino: Imikuzushi (Black Truffle, 2012).O trio Keiji Haino (guitarra e vocal), Jim O'Rourke (baixo), e Ambarchi Oren (bateria) faz pensar  exatamente no valor da improvisação e do noise. Esqueça jazz. Isso dificilmente se assemelha ao género. Pode-se falar de improvisação livre, como igualmente de rock psicadélico e as franjas mais ousadas do Krautrock.  

 Terceira colaboração do trio é mais uma vez extraída de uma performance ao vivo no Japão. Mas em vez de pianos preparados e eletrónicos, eles usaram as cores primárias do rock: baixo, guitarra e bateria.

A seção rítmica O'Rourke / Ambarchi, mantém-se firme na sua maioria, cada um sabe exatamente o que é exigido do seu instrumento. Soando muito mais próximo a esses últimos experimentadores do rock  do que qualquer coisa nos reinos do free jazz ou free improvisation. Embora este registo seja cobrada a todos os três, soa como um álbum de Keiji Haino. Os seus vocais e a guitarra dominam o mix e as estruturas da jam.

KEIJI HAINO

Com o pretexto de reinterpretação do álbum "Un Autre Chemin Vers L’Ultime" (2011), o (a) solitário artista nipónico dos black blues Keiji Haino, foi desafiado para uma performance vocal a solo na Sala dos Espelhos.

Com uma carreira de mais de quatro décadas, o performer (hoje, às 22h, no Palácio Foz, em Lisboa) consegue transportar de uma forma quase milagrosa, aparentemente impossível e forte, a experiência da actuação do artista perante o público. "Em criança eu era definitivamente diferente de todos os outros. Olhando para trás agora parece ter sido inevitável, mas eu era diferente de todos os outros. O que eu gostava de fazer parecia ser diferente de tudo o que todos os outros queriam fazer. Gostava de cantar com a mãe, e de músicas, ao invés de apenas uma idéia abstrata de alguma música", "ouvia apenas normais canções japonesas contemporâneas. O primeiro instrumento que aprendi a tocar, foi a harmónica", "começei a tomar um interesse mais ativo na música em torno da puberdade, The Doors foram o primeiro ponto de viragem importante", "só gostava dos Doors sem qualquer influência externa. Eu tinha ouvido um monte de coisas e eles realmente me agarraram. Coisas como os Cream, eram totalmente entediantes. Ouvia Jimi Hendrix, mas eu estava mais interessado na bateria do que na sua guitarra.  Provavelmente porque eu não tocava guitarra, então eu não entendi completamente o que ele estava a fazer. A crítica de música fica no modo de sentir e entender a música".

" A maioria das crianças começa a ouvir Hendrix como uma progressão dos blues. Eles não tentam entender por que ele escreveu esses tipos de canções. Assim, depois de terem ouvido Hendrix por cerca de dez anos, eles movem-se para melhores guitarristas, como Django (Rheinhardt) ou Charlie Christian. Mas eu acho que eles são totalmente diferentes. Eu não sou especialmente fã de Hendrix. Mas gosto de Django e Charlie Christian". 

" Os Velvet Underground na época eram impossíveis de se apossar. Se não estavas a viver no centro de Tóquio, e envolvido na cena de arte, então não havia maneira de obtê-los. Então, eu não sabia nada sobre The Velvet Underground- nenhuma revista escrevia nada sobre eles na época. Pelo menos, se alguma o fez, eu nunca vi ".

Em 1996,  na mesma entrevista referiu " há vinte anos atrás eu nunca tive qualquer intenção de tocar música e fazer  dinheiro dessa maneira. Eu simplesmente gostava de música e queria tocar ao vivo. Agora, há uma série de jovens músicos que querem se tornar estrelas antes mesmo de começarem a fazer música. Isso é ridículo. Não há nenhuma maneira que você possa fazer música interessante se isso é tudo o que você está preocupado. Jimi Hendrix e Jim Morrison nunca começaram com essa intenção, foi uma coisa que aconteceu ao longo do caminho. No início eu queria ser um actor e não um músico de qualquer maneira.

PAUL McCARTNEY

Todo fã que se preze, gostaria de, um dia, poder conhecer o seu ídolo e fazer várias perguntas. E foi pensando nisso que nesta segunda (04), o site oficial de Paul McCartney divulgou um novo recurso, onde os fãs terão a oportunidade de, não conhecer, mas fazer as suas perguntas ao Sir.

04/02/2013

SUSAN SONTAG

Against Interpretation by Susan Sontag

   Interpretação leva a experiência sensorial da obra de arte para concedido, e prossegue de lá. Isso não pode ser tida como certa, agora. Pense da multiplicação enorme de obras de arte disponíveis para cada um de nós, superadded aos gostos e odores conflitantes e pontos turísticos do ambiente urbano que bombardeiam nossos sentidos. A nossa é uma cultura baseada no excesso, na superprodução, o resultado é uma perda constante de nitidez em nossa experiência sensorial. Todas as condições da vida moderna - a sua plenitude material, a sua lotação total - conjugar a maçante nossas faculdades sensoriais. E é em função da condição dos sentidos, nossas capacidades (em vez de os de outra idade), em que a tarefa do crítico deve ser avaliada. O que é importante agora é recuperar os nossos sentidos. Temos de aprender a ver mais, ouvir mais, sentir mais.

 “Content is a glimpse of something, an encounter like a flash. It’s very tiny - very tiny, content.” - Willem De Kooning, in an interview

 “It is only shallow people who do not judge by appearances. The mystery of the world is the visible, not the invisible.” - Oscar Wilde, in a letter

  Susan Sontag (16 de janeiro de 1933, Nova Iorque – 28 de dezembro de 2004) foi uma escritora, crítica de arte e ativista dos Estados Unidos. 

Graduou-se na Universidade de Harvard e destacou-se pela sua defesa dos direitos humanos. Publicou vários livros, entre eles, A vontade radical, Assim vivemos agora, O Benfeitor, Contra a Interpretação e Na América, pelo qual recebeu em 2000 um dos mais importantes prémios do seu país, o National Book Award. Publicou artigos em revistas como The New Yorker e The New York Review of Books e no jornal The New York Times.

Num dos seus últimos artigos, publicado em maio de 2004 no jornal The New York Times, Sontag afirmou que "a história recordará a Guerra do Iraque pelas fotografias e vídeos das torturas cometidas pelos soldados americanos na prisão de Abu Ghraib". Ela faleceu aos 71 anos de idade de Síndrome mielodisplásica seguida de uma Leucemia mielóide aguda em 28 de Dezembro de 2004.

Sontag nasceu com o nome Susan Rosenblatt na cidade de Nova Iorque, filha do judeu norte-americano Jack Rosenblatt e sua esposa, Mildred Jacobsen.

Sontag tornou-se consciente da sua atração por mulheres no início da adolescência, e escreveu no seu diário aos 15 anos, "so now I feel I have lesbian tendencies (how reluctantly I write this)." Aos 16, teve o seu primeiro encontro sexual com uma mulher: "Perhaps I was drunk, after all, because it was so beautiful when H began making love to me .... It had been 4:00 before we had gotten to bed ... I became fully conscious that I desired her, she knew it, too...."

Aos 17 casa com Philip Rieff em Chicago após um namoro de dez dias. O filósofo Herbert Marcuse viveu com Sontag e Rieff durante um ano enquanto escrevia Eros and Civilization.[3] Sontag e Rieff estiveram casados oito anos, durante os quais ela trabalho no ensaio Freud: The Mind of the Moralist que seria atribuído unicamente a Philip Rieff como acordo no divórcio que ocorreu entre ambos em 1958.[4] O casal teve um filho, David Rieff, que seria mais tarde editor da obra da mãe Farrar, Straus and Giroux, e escritor ele próprio.

MARK EVERETT - EELS

Dr. Hugh Everett III, Ph.D., foi o que a revista Scientific American chama de "um dos cientistas mais importantes do século 20." Um físico quântico que escreveu a  The Many Worlds Theory, Everett inspirou inúmeros livros de ciência de ficção, filmes e episódios de Star Trek, com o conceito de universos paralelos. Como um jovem adolescente que trocou cartas com Albert Einstein, debatendo se foi algo aleatório ou unificador que realizou o universo unido.

 Até á idade de oito anos, Hugh Everett viveu em Washington, DC, com a sua mãe, Katharine Kennedy, uma conturbada poeta e autora,  o pai, era o coronel Hugh Everett Jr., do Exército dos EUA. Como um adulto, Dr. Everett estabeleceu-se em Virginia nas proximidades, com a sua esposa Nancy. Eles tiveram uma filha, Elizabeth Ann, e um filho, Mark Oliver.

Mark Oliver Everett não mostrou talento para a física, ou até mesmo para a matemática. Ele estava muito mais interessado nos registos de sua irmã estava tocando em casa.
Todos os dias depois da escola, Elizabeth tocava Neil Young o álbum GOLD RUSH. Mark ouvia-o todos os dias. Ele nunca teria sonhado que um dia iria gravar um álbum  (DAISIES OF THE GALAXY) tocando no mesmo piano vertical que Neil Young tocou em  AFTER THE GOLD RUSH.


Com seis anos, Mark encontrou na venda de garagem do vizinho do lado onde viu o conjunto de tambores de brinquedo que mudaria a sua vida. Ele implorou aos seus pais os US $ 15 o custo para comprar o conjunto, e cedeu. A maioria das crianças que recebem um conjunto de tambores toca durante uma semana e depois deixa-o no armário até que os seus pais tenham uma venda de garagem. Infelizmente para a família Everett, Mark iria tocar esses tambores diários nos próximos 10 anos.
Como um jovem adolescente, após um período de problemas com a lei, foi preso e expulso da escola, Mark começou a prestar atenção ao pó que a guitarra reunia no armário da sua irmã. Ele já tinha vindo a fazer pequenas canções no piano da família há anos.
Mark tinha vários amigos que eram
coincidentemente chamados Mark. Para evitar a confusão, eles referem-se uns aos outros pelas suas iniciais. Ao longo da sua adolescência Mark Everett foi "M.E." Gradualmente foi reduzido para o mais fácil "E".
Tinha 20 anos, E estava obcecado em escrever canções e gravá-las no seu gravador de 4 pistas. Ele escreveu e gravou praticamente todos os dias nos próximos sete anos.
Aos 24, sentindo-se sufocado pela falta de inspiração e da comunidade criativa do seu bairro na Virginia, E arrumou tudo o que possuía num carro e conduziu 3.000 milhas por todo o país até Los Angeles, onde ele sabia que não conhecia uma pessoa.


 Ele finalmente  mudou-se para um apartamento minúsculo cima de uma garagem na Vila Atwater, no lado leste de Los Angeles, e retomou a sua rotina de anti-social,  acordar, escrever e gravando num de 4 pistas cassetes, indo para um dos muitos trabalhos de merda que ele odiava, vinha para casa, escrevia gravava mais, e ia dormir.
Conforme o tempo ia passando, a partir do momento que começou a sua obsessiva escrita de canções, a qualidade das músicas e a produção das suas fitas, foram lentamente melhoradas. Eventualmente, alguém ouviu alguma das suas canções e pediu-lhe para gravar para uma editora.


The Fonda Theatre,
Goldenvoice & KCRW Present 
 EELS
with Nicole Atkins
Fri, Feb 15, 2013

THE TROUBADOUR CLUB

 THE TROUBADOUR, Santa Monica Blvd West Hollywood, CA.

Desde a sua abertura em 1957,  o lendário Troubadour club em West Hollywood ajudou a lançar alguns dos artistas mais talentosos da música contemporânea. Grandes nomes como Elton John, James Taylor e Tom Waits, entre dezenas de outros, tocaram lá no início das suas carreiras. Continua a ser um destino de ponta de bandas de todo o mundo.

The Troubadour também continua o local popular entre os fãs de música séria que gostam de ouvir música ao vivo num ambiente íntimo e historico.


1957 -The Troubadour abre. 
setembro Lenny Bruce é preso sob a acusação de obscenidade.

1964- Depois de um show da banda residente The Men, Bob Dylan vem ao palco para uma jam session improvisada "folk-twist" - atendido apenas por pessoal Troubadour. Pouco depois, Dylan faz história da música pop, passando do folk ao folk-rock. 


1965- The Byrds, reuniram-se para o seu clássico "Tambourine Man" de Dylan pela primeira vez.1966-Buffalo Springfield fazem a sua estreia ao vivo.1968- 4 de junho, Joni Mitchell faza sua estreia em Los Angeles.

 1969, junho- Neil Young toca o seu show  de estréia a solo em Los Angeles. 
julho- James Taylor faz a estreia a solo.

1970-  Elton John faz a sua estreia nos EUA, introduzido por Neil Diamond.
1970-Kris Kristofferson faz sua estréia em Los Angeles na  abertura para Linda Rondstadt.
1970- (3 de outubro) Janis Joplin  parte do Troubadour e no dia seguinte é encontrada morta no Landmark Hotel com uma overdose de heroína.

1971- Tom Waits é descoberto pelo  manager de rock Herb Cohen durante uma noite de amadores.
1974- John Lennon e Harry Nilsson são escoltados para fora do clube por interromper e provocar por The Smothers Brothers.
1974- Na última noite de uma semana triunfante de shows o baterista dos Average White Band, Robbie McIntosh morre de uma overdose de drogas.
1976- Charles Bukowski conhece a sua futura esposa, Linda Lee Beighle, numa leitura no Troubadour.
1978- The Knack, que não tinham assinado com os convidados especiais  Bruce Springsteen, Tom Petty, Stephen Stills, e Ray Manzarek.
1980- Tim Hardin, regular no Troubadour toca o seu último show.
1991-  Pearl Jam, anteriormente Mookie Blaylock, tocam pela primeira vez sob o seu novo nome.
1994-  Korn tocam o seu primeiro show em Los Angeles como abertura dos Corrosion of Conformity.
1996- Fiona Apple toca o seu primeiro show ao vivo nos EUA. 
1997- Radiohead faz a sua estréia nos EUA ao vivo de OK Computer.

1998-  Shonen Knife fazem uma aparição surpresa num show de Joey Ramone & the Independents. A banda é introduzido no palco por Joey como “The Osaka Ramones.” 
 2001- (22-26 outubro) Joe Strummer toca os seus shows finais em LA.
2005-  The Go-Betweens tocam o seu show final nos EUA antes da morte do co-fundador Grant McLennan em 2006.

2007- (28-30 novembro) Troubador celebra o 50 º aniversário com uma série de shows com James e Carole King. Recriam a sua estréia original no Troubador juntamente com a sua banda original (Russ Kunkel, Danny Kortchmar e Lee Sklar)
 2008-The Cure tocam o seu primeiro show nos EUA em mais de 20 anos

2011-Vince Gill retorna ao Troubadour 35 anos depois de ser descoberto aqui Emmylou Harris e Rodney Crowell.

2012-  Ringo Starr é acompanhado no palco por Joe Walsh e Don Was para o seu show de lançamento  de "Ringo 2012".
 2012- Bob Weir, Jackson Browne e Jeff Lynne o Heartbreaker Mike Campbell e Jonathan Wilson’s Holiday Jam session incluui the Dead’s “West L.A. Fadeaway” and “Truckin.”

1969 -Tim Buckley records Live at the Troubadour 1969
1970- Neil Diamond releases Gold, an album recorded live at the Troubadour.
1972- Donny Hathaway records his “Live” LP at the Troubadour. 
1973- The Byrds reunite and launch tour with a Troubadour.
1975-  Miles Davis records the album “Live at the Troubadour”.
1979- The Eagles release “Sad Cafe” – a song written about the Troubadour.
1996-Elvis Costello longtime collaborator Steve Nieve record “Live at The Troubadour” for a live 4 CD box set.
2003- Phantom Planet releases “Live at the Troubadour”
 

THE DIRTY PROJECTORS

Já disseram que Dave Longstreth, o lider e principal compositor dos Dirty Projectors, sabe trabalhar muito bem orquestrações e melodias vocais deu uma mexida no rock e faz um trabalho comparável às experimentações bem-sucedidas de Frank Zappa. Swing Lo Magellan, o sexto trabalho oficial, o disco mais acessível da banda – até mais do que Bitte Orca, um dos melhores discos de 2009.

 E a acessibilidade ganha peso maior com a declaração de Longstreth sobre o novo álbum: “é um disco de canções, um álbum de composições".

De qualquer forma, (é) ou(não) bom confiar no que dizem por aí. Tira tuas próprias conclusões.

 Outra reinvenção numa carreira definida pela reinvenção, Swing Lo Magellan faz o que nenhum álbum dos Dirty Projectors fez antes: sobre as músicas. Poucos compositores podem retirar o desafio de escrever o mais simples e direto possível, e menos ainda poder fazê-lo e ficar com algo que se sente irredutivelmente pessoal. It’s more heart than sleeve.

 O álbum contém alguns dos maiores coros na carreira da banda(Offspring Are Blank e Unto Caesar),bem como alguns dos mais simples e desarmantes(Irresponsible Tune). Gun Has No Trigger é um sonho febril de paranóia em êxtase, Dance For You é uma canção de busca, de profundidade espiritual(“Gyptian and Ligeti” sugere Longstreth). O terno amor declarado em Impregnable Question, teria ressoado em qualquer época musical dos últimos cem anos.

Dirty Projectors foi formado em 2003 por David Longstreth, usando o apelido para lançar álbuns descontroladamente imaginativos baseados na guitarra abrangendo e marcando a música experimental, composição, eletrónica, hardcore, e a polifonia vocal medieval.

Os primeiros anos da banda contou com um elenco de músicos evoluindo, e solidificando em torno de Longstreth (vocal e guitarra), Amber Coffman (vocal e guitarra), Nat Baldwin (baixo), Angel Deradoorian (vocal e teclado) e Brian McOmber (bateria).

Haley Dekle (vocais) juntou-se em 2009. Bitte Orca de 2009 foi o momento da fuga Dirty Projectors, aterrando em quase todas as listas  Álbum do Ano, e levou-os para os cinco continentes durante dois anos.

 Também 2009 viu a banda colaborar com David Byrne e The Roots, aparecendo no Late Show com David Letterman e Late Night with Jimmy Fallon, assim como em muitos clubes e festivais internacionais.

 Em 2010, a banda colaborou com Björk no EP, Mount Wittenberg Orca que gerou mais de US $ 60.000 para a National Geographic preservar os selvagens recifes oceânicos. Eles também apresentaram o álbum de 2005, The Address Getty, com 20 musicos do chamber ensemble Alarm Will Sound no Lincoln Center em New York, no Barbican em Londres, e ainda no Walt Disney Concert Hall, LA, bem como vender 3000-cap no Terminal 5 em New York.

 As músicas de Swing Lo Magallan foram selecionadas a partir de doze meses de escrita constante e gravado numa casa estranha no Condado de Delaware, em Nova York. Longstreth, produziu, mixou, escolheu, e escreveu 70 novas músicas. A banda-Amber Coffman (vocal e guitarra), Nat Baldwin (baixo), Brian McOmber (bateria) e Haley Dekle (vocal) - muitas vezes juntou-se a ele, ensaiando as novas músicas no sotão da casa A-frame. (a vocalista Angel Deradoorian entrou num hiato com a banda).

As 12 canções do Swing Lo Magallan foram peneiradas de cerca de 40 demos acabadas. As gravações finais dão a impressão de um estilo de trabalho informal: o álbum é uma coleção de momentos: acidental, fortuito, espontâneo. As performances sentem-se quentes e imperfeitas. A intimidade sem protecção é um pouco do novo olhar para a banda, e verifica-se que é um olhar muito bom. É um álbum que vem do coração de uma das bandas mais destemidamente cerebrais dos últimos dez anos

ANDY WARHOL POLAROIDS

 Andy Warhol: Polaroids on view only at the Luckman Fine Arts Complex
Nos anos 1970 e 80, o icónico Andy Warhol fez milhares de fotos com a sua câmara Polaroid. Os assuntos variam desde celebridades a pessoas desconhecidas para os objetos que o fascinavam, e muitas destas fotos serviram de inspiração para suas pinturas e serigrafias posteriores.
Esta exposição, possível graças a uma doação para o Luckman Fine Arts Complex Permanent Collection da Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, apresenta uma seleção dessas Polaroids ao público pela primeira vez.

MACHINE GUN FELLATIO

Machine Gun Fellatio eram uma banda de rock australiana alternativo, formada em 1997, por Glenn Dormand (Chit Chat Von Loopin Stab)  vocais e keyboards, Warrick Leggo (LoveShark) na guitarra, e Ross Johnston (3kShort) baixo guitarra e keyboards.  Matt Ford, mais conhecido como Pinky Beecroft, mais tarde juntou-se à banda como teclista, e cantor, acompanhado por, Christa Hughes (KK Juggy – the Ks standing for "knickers" and "knockers"), Glenn Abbott (Bryan Ferrysexual) na bateria, Widow Jones vocais e keyboards, completavam o line-up da banda.

Eles ficaram conhecidos pela sua provocantes palhaçadas em palco e letras engraçadas, bem como o mérito musical das suas canções. O seu ultrajante e provocante nome (cunhado por um associado inicial da banda  que concebeu o termo de um exercício de filosofia) dá uma ideia da atitude que permeia o trabalho da banda. 

Widow Jones,  deixou o grupo em 2004 e foi substituído por, Connie Mitchell (Feyonce), que mais tarde se tornou conhecida como vocalista dos Sneaky Sound System. Pinky Beecroft mudou-se para Melbourne para se afastar da banda e para lidar com problemas de saúde relacionados com a droga.

O grupo causou alguma controvérsia pelas suas selvagens performances ao vivo que muitas vezes envolveram tanto a nudez masculina como feminina, engrenagem da sujeição de luz e relação sexual implícita com os seus instrumentos.

Eles lançaram três álbuns de estúdio, três EPs e três singles antes de se separarem em 2000.

03/02/2013

A HISTORIA DO SUPER BOWL

Girls from Tyler, Texas take the field with twirling fans and fancy formations for halftime of Super Bowl VI, which was played in New Orleans, La., on Jan. 16, 1972.

Diana Ross performs at the halftime show during Super Bowl XXX between the Dallas Cowboys and Pittsburgh Steelers at Sun Devil Stadium in Tempe, Ariz., on Jan. 28, 1996.

Michael Jackson performs "Heal The World" during the Halftime show as the Dallas Cowboys take on the Buffalo Bills in Super Bowl XXVII at Rose Bowl on Jan. 31, 1993 in Pasadena, Calif.

Helmeted bumper cars roamed the turf of the Los Angeles Memorial Coliseum in Los Angeles  1973.
 A History Of Super Bowl Halftime Shows

Um dos destaques do Super Bowl (além de ser a final do campeonato blábláblá) é o show do ‘halftime’ do intervalo”. E tem sempre uma star do mundo pop – evento que acaba  por ser um dos assuntos mais comentados da semana.
Este ano quem se apresenta no intervalo será a Beyoncé.

 Cincos  shows do halftime
 1.) Michael Jackson (1993)
2.) The Who (2010)
3.) (Os mamilos polêmicos de) Janet Jackson (2004)
4.) U2 (2002)
5.) Madonna (2012)

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